第二章　演奏知识

第一节　古典吉他演奏姿势

俗话说，良好的开端是成功的一半。对于古典吉他学习者，掌握正确的演奏姿势是进步的基础和前提条件。

古典吉他的演奏姿势是所有吉他门类中最严格和最科学的。这是与古典吉他要演奏吉他音乐中最复杂，要求最高的古典音乐相辅相成的。为了完美地演奏多声部、多种风格的，同时也是难度最大的古典音乐，演奏者必须采用最合理、最符合人体生理科学与力学的演奏姿势，尽可能解放左右手的运动技能，发展高水平的演奏技术。

正确的演奏姿势必须同时满足稳定即平衡，与最大限度的放松即省力两方面的要求，以保证左右手运动技能与技巧的充分发挥。吉他学习者如果得不到正确和及时的指导，往往会由于不正确的用力和紧张，形成种种错误的姿势或习惯，如得不到及时纠正，不但不利于发展技术，而且容易导致机能障碍和种种身体疾患，甚至不得不放弃学习或演奏。

下面就古典吉他正确演奏姿势的各个环节与其原理进行详细的解说。

1．坐姿

演奏古典吉他时需要坐在中等高度的凳子上。如钢琴琴凳，凳面要水平，倾斜则不利于演奏。如用椅子，必须选择没有扶手的椅子，以防止扶手阻碍左右两臂的运动，椅子靠背则对演奏吉他没有影响。长时间练习或演奏时，凳子或椅子上可以加坐垫，但不宜太厚太软。

演奏时演奏者应坐在凳子的前部，左腿踩脚凳，右脚踩在地上并向右侧分开。若坐椅子则应坐在椅子的右前方，而不是椅子的正前方，以避免坐椅边缘阻碍右腿或压迫右腿影响血液循环。

2．持琴姿势

（1）左右腿的位置：演奏吉他时左腿要踩一个脚凳，一般来说脚凳的高度以能使膝盖略高于大腿面为准，具体的高度因每人身体尺寸比例不同、所坐凳子高度不同、吉他尺寸不同等具体情况而定，所以最好选择可以调整高度的古典吉他专用脚凳。脚凳放置在左腿正前方，左腿踩在脚凳上保持正直，小腿与地面垂直，膝盖不要倒向左边或右边。为了演奏时的稳定与省力，左脚应尽量以全脚掌踩在脚凳上，仅用脚尖或脚后跟踩在脚凳上的方法既易疲劳（甚至会发抖），又不安全。

由于持琴时吉他的琴体要置于两腿之间，所以右腿应向右侧分开35~45度。为了稳定与省力，右脚的位置一般在右腿伸展的延长线上，右脚向右前方伸出的多少往往有一定的灵活性，而在长时间的演奏或练习中，右脚还会向左或右变动以调整身体重心，舒缓身体疲劳。对于初学者，由于右脚还担负着打拍子的任务，所以最好让右脚向右腿方向自然伸出，小腿大致呈直立状态，即与地面垂直为好。

（2）四个基本接触点：在吉他演奏中身体与吉他有很多个接触点，如左手有五个手指与指板接触，右手有四个手指与琴弦接触，在左右手演奏消音和右手演奏拨奏时，左右手与吉他还会有更多的接触，若要细分下去，单就右手还有“指尖”接触与“指甲”接触之分。这些接触点经常变动，而且都有一个共同的特点就是不负担吉他的重量，也不维持吉他的平衡，这样才有利于最大限度地发挥左右手的运动机能。在吉他演奏中，有四个点直接影响吉他的稳定与平衡，并为演奏与技巧的发挥提供最基本的保证，被叫做四个“基本接触点”。

①左大腿与吉他侧板的接触。这个接触点负担了吉他大部分的重量。

②右大腿内侧与琴身底部的接触。这个接触点也支持着吉他的部分重量，但由于吉他很轻，右腿没有必要用力向内夹靠吉他，而是轻轻倚靠着就行。

③琴体背板上部边缘与前胸的“中右”部接触。有了以上两腿的接触点支持吉他的重量，吉他琴身只用轻轻略倒向人体即可。这个接触点的接触力量很轻。注意：既不要向后仰使吉他的重量靠在胸前，也不要向前把整个身体的重量压在吉他上。吉他与左胸接触是不正确的，出现这种情况往往不是脊柱侧弯就是身体与吉他存在这样或那样的不协调，应及时改正。

④右前臂中后部与吉他侧板边缘接触。当右臂以自然的重量放在吉他上后，吉他在空间里的位置就固定了。只要不加入任何外力，吉他就能保证很大程度的稳定。注意：右臂放置在吉他上的部分是小臂的中后部，肘关节不与吉他接触。而且第四个接触点所需要的力量很小，右臂放置在琴体上的自然重量就绰绰有余，右臂向下压或用手臂将吉他向身体方向夹等都是错误的。

（3）吉他的三个角度：除了以上四个接触点保证吉他与身体的力学关系外，吉他本身还应满足一定的位置条件才能使身体机能得到更好的发挥，以下用三维空间中的三个角度来描述吉他的合理位置。

从正面看，吉他琴颈的走向应与水平面呈大致45度的夹角。角度太大，琴身过于直立，角度太小琴身呈水平都会（主要是给左手与左肩）带来不必要的负担，影响左手技术的发展。

从侧面看，吉他、上体、地面是一个很狭的等边三角形。吉他下侧板与左大腿的倾斜角度也正好吻合。由于这个等边三角形很狭，而且吉他本身重量很轻，所以吉他与上体互相支持的力量非常小，上体只是微微前倾与琴体轻轻倚靠在一起。

从演奏者的上方看，吉他与身体呈一个较小的夹角，琴头应向前方倾斜约10~20度。如琴身与身体平行或琴头向后方倾斜，很容易造成身体扭转和左肩背的紧张。

3．上体的正确姿势

上体的正确姿势是身体自然坐直，并微微前倾与吉他轻靠。另外，上体的姿势中还会出现一些容易导致身体疾病，却又常常被忽略的问题，如：

①弯腰驼背，脊柱向前弯曲。

②身体向左或向右平移，脊柱向左或右侧弯。

③以腰为轴，脊柱向左或向右侧扭转，肩与胯不平行。

这些问题均为上体不良姿势，学习者多加注意。

4．右手的姿势

右手指的使用标记

（右手）

拇指……p

食指……i

中指……m

无名指……a

小指……ch

在古典吉他乐谱上以p、i、m、a来表示右手各指，ch为小指（不常用）。p、i、m、a与ch分别为西班牙语各手指名称的第一个字母（见右示意图）。

按要求正确做好持琴姿势后，右手前臂中部轻放在吉他侧板上，手腕自然放松，手掌自然下垂，手指对应弦位，形成我们叫做右手拨弦前的“准备姿势”。

右手姿势是右手技术的基础。右手的姿势与发音方法是古典吉他上最重要，也是最容易产生错误与误解的技术。正确的右手姿势的要点如下：①右手在拨弦之前应自然放松，从手臂到手腕、从手掌到各指均不应用力紧张。②p指应向前超出i指一点，以防止与i、m、a指互相妨碍。③手掌与i、m、a各指的走向应自然地与琴弦呈45~60度的夹角。④手腕应自然拱起，手腕的位置高于手掌和手背。从手臂到手腕、手掌再到指尖，形成自然的圆弧，呈一拱形，手腕处最高，给手与琴弦间留出足够的空间，p指与琴弦间呈30度以上的夹角。

5．左手与左臂的姿势

在左手与左臂的姿势中有两个基本点，一是手臂的位置；二是拇指的位置。这两个点的正确位置是：①左肩放松没有耸肩现象，手臂自然下垂，肘部既不抬高也不夹向身体，肘部与身体的远近取决于左手在指板上不同把位的位置。②左手拇指在琴颈背后的中线部位与琴颈接触，拇指自然地大致与中指相对，以便平衡支撑左手各指的按弦力量。

左手拇指轻靠在琴颈中线上，手腕放松并自然弯曲，各指自然地放在指板上，从正面看手背的平面与指板大致平行，手掌与指板的距离应以保证各指能灵活地伸向指板为宜。手指的走向与琴弦相垂直，与音品相平行。这种左手舒展并与指板正对的位置将给左手技术发挥带来极大的好处。

同右手一样，左手从肘部、前臂、手腕直至指尖，也形成一个自然流畅的弧形，这种拱形的结构是符合生理与运动规律的。如果出现手腕或各指关节塌陷和反弯，都将给学习和身体带来危害。

按要求做好左手与手臂的正确姿势后，接下来谈谈左手在演奏过程中的注意事项。

（1）左手按弦的两个基本要求

右手指的使用标记

（左手）

食指……1

中指……2

无名指……3

小指……4

空弦……0

①立起来：是指从手臂、手腕、手背到各指形成一个圆弧后，手指的末关节要尽量以垂直于指板的方向立起来用指尖顶端向下按弦。只要具有基本物理常识的人都很容易理解只有垂直于面板用力时，按弦的力量才有可能最小、最省力。如果手指末关节不能垂直按弦，不但会用力较大，左手容易疲劳和紧张，还常会把琴弦推向或拉向旁边导致音准偏差。一般来说2、3指很容易做到立起来。而1、4指由于生理关系常会向内收拢使立起来不容易，但只要勤加练习。久而久之会逐渐改善直至完全立起来。

②到位：吉他是一件发音技术要求很高的乐器，同时吉他也很容易出现杂音。除了右手技术不正确常会导致音量微弱，音色单薄和大量杂音以外，左手按弦位置不正确也常会产生大量杂音，使本来充满魅力，惹人喜爱的吉他变成令人生厌，嘈杂不堪的“噪音乐器”。左手按弦到位是指每一次按弦时都应尽量靠近品柱，但又不要使手指挨到品柱甚至按到品柱上，这样右手才能以最小的力量获得最好的声音。左手按弦不到位往往有两种情形：a．手指按到品格正中或更靠上，手指按弦离音品太远会导致琴弦振动时打品或蹭出的杂音；b．手指按弦离品柱太近，或按到品柱上，这时即使右手拨弦技术再好，声音也会发闷甚至发不出声来。这两种情形都应尽量避免，在初学阶段就应提高要求，养成严格和精确的按弦习惯。

（2）左手手指按弦与离弦的技术要领

除了注意左手的到位与立起来之外，还应注意左手按弦时与离弦时的方向应该与琴弦垂直，这样才能避免在左手频繁按、离弦时蹭出大量杂音，尤其是当演奏低音三根缠弦时更要注意垂直起落，这在现代吉他技术中是十分重要的。

在按弦和离弦时，手指应该垂直起落，就如同垂直起落飞机一样，垂直按下或离开琴弦后才能进行横向或纵向的移动。需要明确的是：手指下按和松开琴弦应该明确地和手指移动动作分开，这是两种截然不同的左手技术动作。

（3）左手动作的大小和力量对左手技术的影响

左手动作幅度的大小和左手按弦力度的大小对左手技术有很大的影响。动作幅度有两个含义：第一是指左手指不用时和移动时不应动作过大，离弦太远，而应放松地与琴弦保持较小的距离以节省动作和时间。第二是手指离弦时不要抬指过高，或离开弦后手指向上翘起，而是应该手指一离开弦后就放松并悬浮在琴弦上方。

左手按弦所用的力度因吉他不同而有变化，一般来说按弦所需要的力量大小应使琴弦不至于虚按产生杂音即可。按弦力量过大，非但不会对发音产生任何好的影响，还会导致左手紧张，阻碍技术的提高。高超的吉他技术只有在对技术动作正确的掌握和深刻的认识基础上，运用科学的训练方法，经过大量耐心细致的练习才能真正掌握，这三者缺一不可。

除了以上所述的人体各部位的姿势要求外，任何一个弹吉他的人，无论是初学者还是演奏家，都要注意情感的控制。音乐是美的，也是会说话的，弹吉他曲不但是把手指停留在按弦上，而且是全身心投入到乐曲情感体现上，这需要深刻体会与领悟吉他曲的真谛，同时也是学习吉他的方法之一。

第二节　吉他使用知识与技巧

一、乐理知识

1．音乐中所使用的音

音乐是由音构成的。在宇宙中有各种各样的声音，有人耳所能听见的，也有听不见的。音乐中所使用的音，只是人耳所能听见的音中的极少一部分。

音是由于物体的振动而产生的。用锣槌敲锣，锣面振动，因而发音。用手按住锣面，使其不振动，声音便停止。至于音色则由于发音体的性质（木质、钢质……）、形状及其泛音的多少不等而不同。

2．乐音与噪音

在音乐中所使用的音，根据其振动的规则与否，又分为乐音与噪音两种。

振动规则的，听起来音的高低非常明显的，叫做乐音，如定音鼓、二胡、笛子、钢琴、小提琴等乐器所发的音；振动不规则，其音听起来高低不甚明显，叫做噪音，如军鼓、锣、钹、梆子等所发的音。

在音乐中使用最多的是乐音，但这并不意味着噪音是不重要的，或者是可有可无的，特别是在我国民族音乐中，噪音的应用丰富多彩，别具一格，具有很强的表现能力，是世界音乐文化中非常具有特色的一部分，是值得研究和学习的。

3．乐音体系及音的名称

（1）乐音体系：

在音乐中所使用的音，是有条件的，有选择的，并不是自然界中任何音都可以作为构成音乐的材料。一些过高或过低的声音，其音高不明显，或不易听辨，或音质不动听，都不适合音乐表现的需要，因此不用。现在音乐中所使用的音，大致在每秒钟振动27~4100次这个范围之内。而在这个范围之内也不是每个音都可用。在音乐中所使用的音，要求人耳能清楚地辨别其差异，振动数相差较大的若干音。

现在音乐中所使用的音高的最小单位，叫做“半音”。键盘乐器相邻的两个琴键（包括黑键）构成半音。两个“半音”相加，等于一个“全音”。在键盘乐器上隔开一个琴键的两个键构成“全音”。

如下图[或]表示全音，<或>表示半音。

在音乐中所使用的乐音，构成一个体系，叫做“乐音体系”。现在最大的钢琴共包括88个高低不同的乐音，几乎包括乐音体系中所有的音，除此之外的音，在音乐中是不用的。

（2）音的名称：

音的名称，即音名。在乐音体系中，虽有八十多个高低不同的音，但音名基本上只有七个，其他各音的名称，都是由这七个基本名称变化而来的。七个基本音（也叫本位音）的名称是：

大写C D E F G A B

小写c d e f g a b

将基本音升高半音，叫做升音。用升记号“#”表示。如：

#C #D #E #F #G #A #B

将基本音降低半音，叫做降音。用降记号“b”表示。如：

bC bD bE bF bG bA bB

将基本音升高一个全音，叫做重升音。用重升记号“×”表示。如：

×C ×D ×E ×F ×G ×A ×B

将基本音降低一个全音，叫做重降音。用重降记号“bb”表示。如：

bbC bbD bbE bbF bbG bbA bbB

已经升高（包括重升）或降低（包括重降）的音，要变成基本音，则用还原记号“ ヰ”表示。如：

C D E F G A B

以上五种表示音的升、降和还原的记号，叫做变音记号。

现将基本音、升音、降音、重升音、重降音在键盘上的位置列示如下图：

从上图可以发现，十二个高低不同的音除了相邻的三个黑键中间那个黑键只有两个名称外，其他各键都有三个名称。这种音高相同而名称各异的音，就叫做等音。等音只有在半音相等的情况下，才可能产生。

为了区分乐音体系中音名相同但音高不同的音，将音列分为若干组，即音组。在乐音体系总音列中央的一组叫做小字一组，其标记是用小写字母，并在右上方加数字1表示，如c1。比小字一组高的各组，由低到高依次定名为小字二组、小字三组、小字四组、小字五组，其标记是在小写字母的右上方，分别加上数字2、3、4或5来表示。比小字—组低的各组，由高到低依次定名为小字组、大字组、大字一组、大字二组、其标记是：小字组用小写字母标记，大字组用大写字母标记，大字一组和大字二组用大写字母右下方分别加上数字1或2来表示。钢琴键盘的音组安排如下（忽略变化音级）：

A2．B2|C1．B1|C．B|c．b|c1．b1|c2．b2|c3．b3|c4．b4|c5

目前国际通用的标准音高（第一国际高度）是440赫兹的a音，即以小字一组的a作为标准音。位于乐音体系总音列中央的1（do）叫做中央C（26赫兹）。

为了确定乐音体系中各音的绝对准确高度，人们创造了各种定律法，如十二平均律、五度相生律、纯律等。将一个纯八度（如c1~c2）分成十二个均等的部分（即半音），这种定律法就叫十二平均律。现代的钢琴、吉他、提琴都是根据十二平均律定音的，其特点是所有半音都相等，半音与半音相加等于一个全音，由此而产生了音高相同而记法和意义不同的等音，如#C、bD和×B。

我们平时听到的某一音，是由许多个音组合而成的，叫做复合音，这是由于全弦以及弦的各段同时振动而造成的。构成复合音的各音叫做分音。由全弦振动所产生的音叫做基音，听得最清楚。由弦的各等分段振动而产生的音叫做泛音或倍音（因为其振动频率是基音频率的整数倍），不易被听出。分音包括基音和泛音，而泛音不包括基音。将基音和泛音按照高低次序排列起来，叫做分音列。

音域即音的区域。通常指人声或乐器在整个乐音体系中所能达到的范围。如最大的钢琴最低音是A2，最高音是c5，所以钢琴的音域便是A2~c5。但有时音域也指乐音体系的总范围或某一音乐作品在乐音体系中所及的音范围。

音区是音域中的一部分，有高音区、低音区、中音区三种。

在整个音域中，小字组、小字一组和小字二组属于中音区。从小字三组到小字五组属高音区，从大字组到大字二组是低音区。

各种人声和乐器的音区划分，往往是不一致的，如男低音的高音区则是女低音的低音区等。

在音乐表现中，不同音区有着不同的表现特征。各种人声、乐器其音区的表现特性也不尽相同。如小提琴的高音区更多的给人以尖锐、紧张之感，而钢琴的高音区则使人感到清脆。一般讲，高音区比较清脆、明亮。低音区比较雄厚、深沉。中音区介乎两者之间，最富于表现力。如《东方红》最后一句，由低音区转到高音区，音色明亮、情绪高亢，充分体现了在共产党领导下，人民当家做主新中国朝气勃勃、欣欣向荣，充满光明与希望。因此，熟知各种人声和乐器的音域及其不同音区的表现特性，对创作和表演都有着重要的意义。

（3）吉他的音域和音位：

除了泛音和特殊调弦外，吉他基本音域是从E到b2，实际音高是从E1到b1。

吉他的音域几乎就是人声的全部音域，这也就是吉他优美的声音为什么总是那么打动人心，不经意的拨弄都能深入人们的心灵，唤起人们深藏的感情的原因之一，因此吉他常被称为是“心灵的乐器”。

仅仅掌握五线谱上各音的位置是不够的，学习者还应掌握每个音在吉他指板上的准确位置，这些音位就像画家手中的色彩，棋手手中的棋子，或者说像英文中的字母一样，准确掌握每个音及在五线谱和吉他上的位置，这是学习吉他最基本的基本功，会给以后的学习带来极大的方便，起到事半功倍的效果。

3．乐谱

（1）标准乐谱（即五线谱）：

乐谱就是在纸上代表音乐声音的书写符号。吉他手们很幸运，可以用两套互补的乐谱体系来描述所弹奏的音符；即标准乐谱——五线谱和符号谱——六线谱。

标准乐谱即五线谱是钢琴、提琴及管弦乐器等共用的乐谱体系。它由五条线和一个叫高音谱号的符号组成。

符头在五线谱上的位置决定了它的音高（由一字母表示），音符形状（符头、符干、符尾）决定了节奏（音长）。

六线谱是把吉他的六根弦对应地划出六条平行的横线来表示两手演奏的位置和动作（即指法），而不是记录的音的高低，但它与简谱或五线谱结合对照起来使用时非常方便，既能表示音高，又能表示指法。六线谱对吉他常用的演奏方式（独奏、分解伴奏和漫弹节奏）分别用如下方式记录：独奏（旋律）记谱：在六条线上写上阿拉伯数字。六线谱中的数字表示吉他的品格，写在线上的数字表示左手按第几品，数字所在的线即右手应弹的弦。分解和弦伴奏记谱：在六线上画“×”，此时六线谱上方往往有关于左手按和弦的指法图或标记表示。那么你就用左手按好和弦，“×”表示用右手指弹响其所在的弦。扫弦节奏记谱：在六条线上画“？”、“？”等符号，此时六线谱上方也往往有关于左手指法的提示。有时候，上述几种记谱法会在同一首六线谱中出现。六线谱中使用的附点、延音线记号和用法与简谱、五线谱基本相同，不再复述。

（2）音符的组成：

一个音符的音高由它在五线谱上的位置决定。符头是否存在表示其音长；符干是否存在表示音的长短；符尾是否存在表示音有多短。

当在同一行中有一个以上音符带符尾，这些符尾由梁代替，梁与尾的长度正好一致，这样易于读谱。

（3）符号谱（即六线谱）：

对于吉他手来说，六线谱相对于五线谱的明显的好处，在于它能说明了在什么位置正确地弹奏一个指定音符。

六线谱在表示音符的把位时尤为方便，它以图解形式说明了在什么位置换弦，什么时候转换把位，而五线谱则无法像六线谱一样处理把位转换。

（4）数字谱（即简谱）：

它主要用阿拉伯数字来表示音符，简单明了。由于其简单明了，通俗易懂，而且在记谱、读谱、出版上都有极大的方便，因此深受广大音乐爱好者喜爱。但简谱也有它的缺点，如用简谱记录钢琴音乐就存在一定困难。就目前情况而言，简谱尚未形成一个比较完整的体系，很多方面尚待研究改进。

（5）节奏：

音乐有两个主要组成部分：节奏和音高。节奏是指音符如何及时发声及相互之间的联系。每一音符相对音乐节拍都有一定的音长。节拍是音乐的基本组成单位，也叫拍子。

随着音乐拍子有规则地拍脚是一种应培养的技能。这会让学习者实际地感受到节拍，而学习者的手可以抽出来根据脚所打出的拍子在吉他上弹奏。这有利于学习者感觉到音符和节拍的关系。

节拍通常“成组”重复。在乐谱中，把音乐分成这些重复的组。一组所占的时间称为一个音节（俗称小节）。每个小节的边界由竖线来表示，这叫做小节线。

乐谱开头的节拍符号表示每一小节有几拍，以何种音符为一拍。在这个例子中，音乐是4/4拍。

这意味着以四分音符为一拍，每一小节有四拍。

四分音符是根据它在4/4拍中占一个小节的1/4而命名的。4/4拍应用相当广泛，因而也被称为普通节拍，大多数摇滚和流行音乐都是4/4拍。

（6）音符时值：

下面是4/4拍中基本的音符时值：

=全音符-4拍一个全音符占一小节或4拍

=半音符-2拍一个半音符占半个小节或2拍。两个半音符占一小节，相当于一个全音符的时值。

=1/4音符—1拍，一个1/4音符占1/4个小节或1拍。

=1/8音符—1/2拍，一个1/8音符占1/8个小节或1/2拍。两个1/8音符相当于一个1/4音符的时值。八个1/8音符占一小节。

为了很好地掌握节奏，必须会数节拍。试练习：开始慢速用脚打拍子。保持平稳似钟摆的节奏，这样每拍之间的间隔正好一致。一边拍脚一边计数，按4/4拍的拍子数，数到4后便反复，像这样：1-2-3-4，1-2-3-4。

要保证计数发音与脚拍同时进行，须确保在4（一个音节的末尾）和1（下一音节的开头）之间的间隔与任何两拍之间的间隔一致。换言之，在一个小节的第4拍和下一小节的第1拍之间无间断。

（7）其他表示节奏的方法：

附点、连接线和休止符也可用来改变一个音符的长度。

一个附点把一个音符的时值延长一半。

连接线是连接两个具有相同音高的音符的一条曲线。连接线指示弹第一个音符，这个音符的音要持续两个音符相加的时值。

音符之间的静止由休止符表示。休止符与发声音符一样分有长短。一个休止符表示某段时值不发声（不弹奏，没有持续的音符声）。

一个音符的音高是指这个音符发声的高低。

在五线谱中，音高用字母：A、B、C、D、E、F和G表示。

一个音符的音高在五线谱上由符头落在哪条线或间上来表示。

在简谱中，音高用阿拉伯数字：1、2、3、4、5、6、7表示。

4．记录音的高低

在简谱中，记录音的高低和长短的符号，叫做音符。

（1）记录音高的基本符号

表示音的高低的基本符号，用七个阿拉伯数字标记。它们的写法和读法如下：

写法： 1 2 3 4 5 6 7

读法：do多re来mi米fɑ发so梭lɑ拉xi西

为了标记更高或更低的音，则在基本符号的上面或下面加小圆点。

加在基本符号上面的圆点，叫高音点。表示将该音升高一个音组。加两个高音点表示升高两个音组。以此类推。

加在基本符号下面的圆点，叫低音点。表示将该音降低一个音组。加两个低音点表示降低两个音组。以此类推。

（2）中音、高音、低音及其相对音高关系：

在简谱中，不带点的基本符号叫做中音。在基本符号上面加一高音点，叫做高音，加两个高音点叫倍高音。在基本符号下面加一低音点叫低音，加两个低音点叫倍低音。

（3）音的准确高度1=C:

5．记录音的长短

在简谱中，音的长短是在基本符号的基础上加上短横线、附点、延音线和连音符记号表示的。

（1）用短横线来表示音的长短：

短横线的用法有两种，写在基本符号右边的短横线，叫增时线。增时线越多，音的时值就越长。

不带增时线的基本音符叫四分音符。每增加一条增时线，表示延长一个四分音符的时间。

写在基本符号下面的短横线，叫减时线。减时线越多，音就越短。每增加一条减时线，就表示缩短原音符时值的一半。

（2）用附点来表示音的长短：

写在音符右边的小圆点，叫做附点，表示延长前面音符时值的一半。附点只用于四分音符和少于四分音符的各种音符。

带附点的音符叫附点音符。例如：

四分附点音符 5=5+5

八分附点音符 5=5+5

十六分附点音符 5= 5+ 5余类推。

带有两个附点的音符叫复附点音符。第二个附点表示延长第一个附点的时值的一半。也就是前面音符的四分之一。

四分复附点音符 5=5+5+ 5

八分复附点音符 5=5+ 5+ 5

二分附点音符和全分附点音符，不用附点，而用增时线来记写。

除此之外，还可以利用连音符这一形式来记录音的长短。

6．记录音的强弱

在演唱演奏中，一般首先想到的总是音的高低，其次才注意到音的长短，而对于音的强弱则往往比较忽略。其实在音乐表现中，音的强弱也是非常重要的。当聆听一首音乐作品时，就会发现其中的强弱变化是十分复杂的。而这些复杂的强弱变化，又是与乐曲的内容、情感、语言有着紧密的联系。

7．记录音的休止

表示音的休止的符号叫休止符。在简谱中休止的基本符号是用“0”来表示。

表示休止的长短标记，与音符基本相同，只是不用增时线，而用“0”来代替。每增加一个“0”就增加相当于一个四分休止符的时间。

有什么样的音符就有什么样的休止符。其相互关系也完全一样。现将常用的休止符、附点休止符、复附点休止符列示如下：

全休止符0000全分附点休止符000000全分复附点休止符0000000

二分休止符00二分附点休止符000二分复附点休止符0000

四分休止符0四分附点休止符0四分复附点休止符0

八分休止符0八分附点休止符0八分复附点休止符0

十六分休止符0十六分附点休止符 0十六分复附点休止符0

三十二分休止符 0三十二分附点休止符 0三十二分复附点休止符 0

在音乐表现中，休止符与音符有着同样的重要意义。如下例《长征组歌》，由于休止符的运用，有效地刻画了人民群众送别红军时那种依依不舍的情景和感情。

8．简谱的书写格式

著书行文都有一定的格式，写谱也一样。

简谱是由左至右横行书写。乐曲开始第一行谱的前面要留出一空间，写上调号、拍号、表情记号、速度记号、力度记号。

乐曲开始前面的小节线略去不用，每行谱的末尾和下一行谱的开始，共用一条小节线，记在第一行谱的后面。一个小节一般不分开记在两行谱上。

在用一行谱记写的歌曲中，前奏、过门和尾声，用小括号括起来，以别于歌声。

音符的疏密根据每拍中音符的多少，音符少的要写开一些，音符多的要写密一点。如果音符带有减时线，低音点要记在减时线的下面，延音线、连音符记号要记在高音点的上面。休止符的上面无需记延音线或连音线。装饰音用较小的音符记写。

二、切分音

在旋律的进行中，根据音乐表现的需要，音的基本强弱关系，也有发生变化的时候。例如一个音由弱拍（或强拍的弱部分）开始，延续到下一强拍（或弱拍的强部分），这时强拍（或弱拍的强部分）的重音位置便向前移到弱拍（或强拍的弱部分），这就是切分音。切分音的记法，在一小节或一拍之内一般都记成一个音，而不记成加连线的两个音。例如：

三、弹奏方法

首先介绍一下吉他的两种最基本的弹法。

1．弹拨式演奏法

右手拨弦的第一种方法叫“钩弦奏法”。即拨弦之后，手指向掌心方向弧线收力，而且不能碰到邻近的琴弦。采用这种奏法声音柔和、典雅，适于演奏和声式的旋律及分解和弦。

右手拨弦的第二种方法叫“靠弦奏法”，即手指拨弦之后停靠在下一根弦上。演奏时要求手指向前推拨，手指运动方向与琴面平行。采用“靠弦奏法”不但声音饱满，而且音量也比较强；因此常在演奏单旋律时采用。

练习以上两种弹拨奏法时，右手除手指运动之外，手背和手腕都要保持基本姿势，减少不必要的动作。此外，胳膊肘不可离开吉他共鸣箱的高点位置。

吉他还有一种用指甲弹拨的方法。这种方法对指甲的形状与长短有一定的要求：指甲要稍长于手指，并将其修剪成半圆形。用指甲拨奏出的声音比较明亮有力。

2．扫弦式演奏法

（1）拇指扫弦：右手自然伸展呈弧形，扫弦动作由拇指完成。

（2）食指扫弦：用食指指甲上下扫弦，下击时用力弹出。

（3）拇指与食指交叉成“十”字状，下击时用食指的指甲背，上击时用拇指的指甲背。

（4）拇指与食指交替使用。食指通常出现在第三拍上，用下击。

其次介绍一下吉他左手的弹法。

1．琴颈的持法

将左手扶住吉他的颈部之后，大胳膊与肘部不要远离身体，肘部重心应朝下并尽力放松。左手指放置在琴弦之后，要自然弯曲；拇指在琴颈背后与二指相对，注意应用拇指肚接触琴颈，而不是指尖。另外，左手掌不可紧贴琴颈，以免影响演奏时的上下移动。

2．按弦

手指按弦时应采取竖立姿势，以免碰到其他琴弦；按弦的位置应靠近音的上方，但不可压在音上；按弦的力度大小以发出悦耳的声音为准，压力过大会使标准音高偏离，压力太小又会使琴弦浮动而产生杂音。

3．把位（Pos）

“把位”即左手指在吉他琴格上所按的位置，它是以食指作为标准的。例如食指按在第一琴格时称为第一把位，按在第二琴格时称为第二把位，以此类推。

从上图我们可以看出，左手单音按弦指法的基本规律是：按第一琴格用第一指，按第二琴格用第二指，按第三琴格用第三指。

四、和弦演奏

1．和弦

在多声部音乐中，按照三度或非三度音程关系排列起来的三个以上的音的结合，叫做和弦。

按三度音程关系构成的和弦，由于各音间保持一定的紧张度，音响协调丰满，并合乎泛音列的自然规律，因此，在多声部音乐中被广泛应用。如：

按非三度音程关系构成的和弦，虽然不像按三度音程关系构成的和弦那样被普遍应用，但对丰富和声色彩有着积极的意义，故也不应忽视。如：

2．和弦的应用

和弦主要应用于多声部音乐中，但在单声部的旋律进行中，也可以出现和弦进行。

和弦在多声部音乐的应用中，和弦中的音可以重复，也可以省略。一般讲根音不省略，重复最多，五度音可以省略也可以重复，三度音不省略也不重复，在二声部乐曲中，和弦音一定要被省略，为了辨认这些和弦，需要在想象中添补上所省略的音。

在和弦的应用中，和弦中的每个音都可处于最高声部，这叫和弦的旋律位置。以根音为最高声部，叫根音旋律位置。以三度音为最高声部，叫三音旋律位置。以五度音为最高声部，叫做五音旋律位置。在七和弦中，还可以有七音旋律位置。

和弦中的音全部出现时，叫做完全和弦。没有全部出现时，叫不完全和弦。

3．和弦齐奏

吉他上常用到的和弦齐奏有两个、三个、四个、五个到六个不等，其中最基本的形式是四个音的和弦齐奏。四个音的和弦正好用到了右手每一个拨弦手指。两个音的同时演奏只能奏出和弦的部分组成音，很多时候是用来演奏和声音程，即一同发声的两个音，或称双音，弹双音时只用p、i、m、a四个手指中的两个就行。五个音或六个音和弦齐奏时则必须用其中的一个手指快速拨弹两三个音，最常见的是p指或a指扫弹，有的演奏家甚至会用到很少使用的右手小指。

整齐和响亮是和弦齐奏应达到一定要求。为达到这个要求，需要：（1）左手在演奏和弦时i、m、a指应尽量并拢，以一个整体用力来拨弦，这样弹出的和弦才能整齐，在时间上一致，在音量上统一。如果右手手指互相分开弹奏和弦，就会出现和弦松散、不整齐、音量大小不一致的现象；（2）和弦齐奏在技术上实际上是多个不靠弦的同时演奏，在弹和弦时右手p指和i、m、a指应一起用力把弦捏起来，并做出一个向下的绷弦动作，然后再弹响和弦，这样才能使和弦响亮，有时和弦中隐藏着旋律进行时，还需要弹旋律的手指多用力向下绷一些。如果右手弹和弦时没有绷弦或捏弦动作，并且发音时手指向上勾弦，那么弹出和弦肯定会声音单薄微弱，音色粗糙难听。

4．和弦的按法

演奏和弦时，常要求左手指同时按住几个音，根据所按音的多少与指位次序，可以有这样几种和弦按法：

（1）单指音位按法

即所按的“和弦”是采用一个手指按一个音位而组成的。例如演奏C大三和弦，它的基本组成音是“531”，手指按弦时即可采用“单指音位按法”。

（2）小横按法

即演奏某一和弦时，左手食指要求同时按住两根至四根弦。例如演奏F大三和弦，它的基本组成音是“164”，手指按弦时即可采用“小横按法”，横按时要求拇指与中指相对。

（3）大横按法

即演奏某一和弦时，左手食指要求全部按住六根弦。例如演奏F大三和弦时，加入最低二根弦，手指的按弦即可采用“大横按法”；横按时也要求拇指与中指相对。

5．扫弦演奏中的“消音奏法”

“消音”即指声音发出后，立刻用手指或手掌将其声音切断。这种奏法能够产生短促的节奏音响，使节奏因长短的变化而富于表情。在音乐演奏中有两类声音需要消除：一类是杂音，如左右手在接触弦和在琴弦上移动时蹭弦（尤其是低音弦）的声音，左手按弦位置不正确或右手错误钩弦产生的打品声音，左手音没有按实产生的杂音，左右手碰到正在振动的琴弦发出的嗡嗡声，不必要的滑音，其他还有如脚打拍子的声音（练习时除外），粗重的呼吸声，还有乐器不合格产生的种种杂音，这一类杂音应在基本技术的学习中和练习的过程中得到有意识的避免和解决。第二类是演奏中不必要的乐音，吉他演奏中的消音技术主要是指这一种。在音乐演奏中如何控制一个声音比发出一个声音更为重要，何时停止这个声音是控制的重要部分，这正是消音技术应该解决的。

常见的需要消音的情况有如下几种：（1）休止符，休止符不能仅仅理解为不弹就行了，除了在乐曲开头、段落开头和暗示节奏的休止符以外，大部分的休止符实际上都是要用消音技术“演奏”出来的；（2）乐曲终止或段落、乐句终止时；（3）为加强旋律的分句和在音乐句逗、呼吸时有潜在休止符的地方；（4）和弦低音变换时消除低音对和声清晰度和和谐度的影响，这其中也包括弹强音时低音空弦被激起的共鸣音；（5）断奏或需要以顿音加强节奏感的段落。

消音的方法千差万别，原则上能使不需要的乐音停止发声的方法都可用作消音技术。总的来说，消音技术从消音所用的手的部位不同可大致地分为两大类：第一类是用拨弦的右手手指或按弦的左手手指来直接消音的直接消音法，如右手发音后以拨弦手指指尖肉垫按住琴弦消音，或左手按弦手指果断放松，浮在琴弦上来消音。第二类是用正在按弦和拨弦的手指以外其他部位来消音的间接消音法，常见的有三种：

（1）第一种消音奏法：

扫弦之后，立即用右手掌侧下部触弦，使声音终止。演奏中前后动作要连续而迅速，结束时右手腕呈稍向里侧状。

（2）第二种消音奏法：

右手扫弦之后，左手将按弦的手指稍稍松开，但又不离弦，致使声音终止。演奏中前后动作要连续而迅速，结束时左手指浮贴在琴弦上。

（3）第三种消音奏法：

右手拨弹琴弦后，速用拨弦的手指触弦，致使声音终止。

另外再简单介绍一下乐曲中低音的消音。消音技术在乐曲低音的消音运用上具有重要的实际意义，低音是和声的基础，如在和弦进行中不及时消去低音和弦外音，将使音乐和声混淆不协和。

低音的消音依据低音的连接方式不同可分为两种类型：

第一类是不连续低音的消音，不连续的低音之间往往由休止符隔开，这时除了低音和其他上方声部节奏相同的可用右手或左手间接消音止住全弦外，一般都需要由右手拇指用间接或直接消音来准确控制低音音符的时值。要特别注意许多不连续的低音往往是“形断意不断”，具有音乐延续性。

上述不连续的低音由于时值的限制一般不会对和声造成影响，这一类消音也更偏向休止符的弹法，第二类是连续的低音间的消音，这一类消音若不细心处理，常会严重干扰和声，从“乐器音响学”的角度来说，一般较低的音要比较高的音对和声的影响大得多，所以在连续的低音进行中，要特别注意低音上行后一定要及时消掉前一音的余音，所用的消音方法以右手拇指的直接消音最常用。在低音下行时如果两音在相邻弦上，拇指靠弦的同时就会消掉前一音，由于低音下行即使前一音不消也不会对和声造成很大影响，在实际演奏中可以忽略。另外，由于吉他乐器本身的特点，当低音在同一弦上变动时，也没有必要考虑消音，所以看似十分复杂的低音消音只要懂得其中的道理和规律也就不难掌握了。

6．空手扫弦

空手扫弦一般有以下两种演奏方法：

拇指扫弦：拇指由低音弦往高音弦方向扫奏琴弦，或用拇指的指甲轻轻地往回带扫琴弦。采用这种方法奏出的音色柔和而浑厚，音量的强弱有明显的变化，演奏时也比较容易控制扫弦的高低音位置。但是应该注意，拇指不要垂直于琴面板，使右手掌离琴面过高，以至影响“消音”的演奏。正确的演奏方法是，手掌较贴近于琴弦，腕部稍高于拇指；拇指上下摆动时呈小的弧形。

食指、中指与无名指扫弦：演奏时可用三个手指同时扫弦，也可用两个手指（食指与中指）或一个食指（代替拨片）演奏。这种扫弦发出的声音明亮而有力，如果能根据音色与音量的需要，合理采用不同的手指轮番演奏，音响效果会更加丰富多彩。

五、伴奏

1．弹拨式伴奏

弹拨式伴奏即采用弹拨式演奏法，它的声音效果典雅、柔和。因此在演唱抒情歌曲时（或其他乐器演奏抒情性音乐时），较适合采用这种伴奏法。弹拨式伴奏有以下几种类法：

（1）琶音伴奏：

即运用“分解和弦”的弹拨形式为歌唱伴奏。演奏前要确定好曲中每一小节的和弦，并将左手指按在所需和弦指位上，然后用右手手指根据“琶音”的节奏型，按顺序拨出和弦中的各音。

樱花（片断）

（2）和弦节奏型伴奏：

即“和弦”通过某种节奏型表现出来。例如当不加任何变化地演奏C大三和弦531时，它的声音效果是单纯与缺少表情的，如果将它通过某种节奏型表现出来，听起来就会生动得多了。

2．扫弦式伴奏

在民谣、流行歌曲以及各种轻音乐中，经常采用扫弦式伴奏方法。它的声音饱满、淳厚，情绪热烈、奔放；除节奏感强之外，节奏型与变奏种类也很多，因此，演奏者应努力学习和掌握各种节奏型的演奏方法，以及在什么样的情况下使用它们。

（1）扫弦节奏符号的各种记法（国际通用）：

（2）基本节奏型：

练习方法：首先将左手指按在规定的和弦指位上，然后根据基本节奏型与谱中箭头所标的扫弦位置和方向演奏。练习时可分别使用“T指”扫弦、“1、2、3指”扫弦。“T指与1、2、3、指”交替扫弦；同时注意右手的演奏一定要以腕为轴，并配合运用消音奏法（也可使用拨片演奏）。（3）各种节奏型：

布鲁斯（Blues）：原意为哀歌，是一种黑人歌曲，情绪幽怨而低沉，表现了黑人痛苦的生活。这种歌曲经由黑人作曲家汉第（WCHandy）的努力，使之成为爵士音乐中的一种类型。“布鲁斯”的速度缓慢，采用4/4拍子的节奏型。

华尔兹（Waltz）：起源于欧洲的民间舞蹈，后广为流传，成为城市中的一种交谊舞。音乐采用3/4拍子，又可分为慢三、快三。它的节奏型如下图：

探戈（Tango）：起源于中非，初流传于南美洲一带，19世纪传入欧洲。此舞曲的特点是节奏感比较强，采用中速的2/4或4/4拍子。它的基本节奏型如下图：

还有另外几种节奏型，包括进行曲（March）、伦巴（Rumba）、桑巴（Samba）、贝圭英（Beguine）、博萨诺瓦（Bossa，noⅧ）、摇摆乐（Swing）、摇滚乐（Rock & Roll）、翠斯特（Tuist）、迪斯科（Disco）等。

（4）节奏型的应用：

第一种掌握节奏型应用方法，即的最简便的方法是，根据乐曲的拍子（2/4、3/4、4/4或6/8等），从“基本节奏型”中找出与之相应的节奏，一般即可达到初步伴奏的目的。

邮递马车（片断）

第二种方法是为了使伴奏效果更加丰富，根据乐曲的拍子（如2/4、3/4、4/4或6/8等），从“各种节奏型”中找出与之相适应的节奏。用这种方法，使上面三个曲例的伴奏有更多的选择的可能。例如：

邮递马车（片断）

第三种方法是如果根据乐曲的拍子，找到与之相适应的“基本节奏型”或“各种节奏型”，达到初步伴奏目的之后，还要注意节奏型使用的准确性。即在同是2/4、3/4或4/4等节奏型中、哪一种节奏型更适合乐曲伴奏的要求。

以下三个主要的和弦，因其比较重要，且在吉他各种演奏中均很重要，我们在这里予以列出。

三个主要的和弦

C大调：C、F、G（或G7）a小调：Am、Dm、E7（或Em）

D大调：D、G。A（或A7）b小调：Bm、Em、#F7（或#Fm）

E大调：E、A、B（或B7）#c小调#Cm、#Fm、#G7（或#Gm）

F大调：F、bB、C（或C7）d小调：Dm、Gm、A7（或Am）

G大调：G、C、D（或D）e小调：Em、Am、B7（或Bm）

A大调：A、D、E（或E7）#f小调：#Fm、Bm、#C7（或#Cm）

B大调：B、E、#F（或#F7）#g小调：#Gm、#Cm、#D7（或Dm）

bB大调：bB、bF、F（或F7）g小调：Gm、Cm、D7（或Dm）

bA大调：bA、bD、bE（或bE7）f小调：Fm、bBm、C7（或Cm）

bG大调：bG、bC、bD（或bD7）be小调：bEm、bAm、bB7（或bBm）

bE大调：bE、bA、bB（或bB7）c小调Cm、Fm、G7（或Gm）

bD大调：bD、bG、bA（或bA7）bb小调：bBm、bEm、F7（或Fm）

注：#C大调=bD大调bd小调=#c小调

#D大调=bE大调#d小调=be小调

#F大调=bG大调bg小调=#f小调

#G大调=bA大调ba小调=#g小调

#A大调=bB大调#a小调=bb小调

六、演奏的常用技巧

1．琶音奏法

“琶音”是吉他独奏中不可缺少的一种奏法，其意义不仅是和弦的变奏；在许多乐曲中常常采用琶音奏法隐伏地表现各种优美的旋律。

琶音是和弦的种类之一。和弦的种类和构成千差万别，但从演奏技法来看，和弦可以分为两类，一类是和弦齐奏，即和弦同时发音，由于这样的和弦记在一竖行上，所以也叫做柱式和弦，有的也叫做持续和弦；第二类是和弦音不同时发出，而是按一定的组合顺序先后发出。（反复出现的一定顺序叫做音型），这样的和弦就叫做分解和弦或琶音。

因为“琶音”即分解和弦，因此在练习琶音每小节之前，应首先找到和弦指位，如第一小节是C大三和弦的分解奏法，第二小节是C大三和弦的分解奏法。

右手指法采用“p、i、m”三指轮番演奏，即三连音的第一音由拇指演奏、第二音由食指演奏、第三音由中指演奏。

2．连音（圆滑音）奏法

在音乐中连线有两种含义。第一种是相同高度的两个或两个以上音用弧线连起来，表示后面音的时值要合并到第一个音的时值之中来演奏或演唱，这叫连音线；第二种是两个或两个以上不同音高的音用孤线连起来，表示这些音要演奏或演唱得连贯流畅、一气呵成，这叫圆滑线，圆滑线有时还起到分句的作用。

在古典吉他中连线也有“延音线”和“圆滑线”之分。在演奏延音线时，要注意把相同高度几个时值算准，弹完第一个音后把拍子延长够；而吉他曲谱中连接两个或两个以上不同音高的圆滑线的演奏，则要用到吉他中一种专门的技术，称为连音或圆滑音奏法。圆滑音奏法不但是吉他演奏中一项重要的基本功，而且是很有表现效果的一种奏法，同时它还是吉他演奏中多种装饰音的基础。练习圆滑音还对提高左手各指的力量、敏捷性和控制力有很大帮助。

连音奏法分“上行连音”、“下行连音”及“上下行连音”三类：

（1）上行连音：第一个音用右手拨出，后面的音用左指敲击琴弦发音。

上行连音是用左指敲击发声，所以有时也被称为“敲音”或“锤音”。演奏上行连音时要注意：①左指敲击时要果断迅速，敲击前手指不应抬起过高，要像中国武术中的“寸劲”一样运用爆发力锤弦；②敲完音后左指要马上放松，由敲击的大力度状态迅速转换到按弦的小力度状态；③要特别注意时值的准确，圆滑音的时值既不要向前赶，也不要向后拖（一般初学者都容易前赶抢拍），圆滑音的时值应像实音一样均匀。

（2）下行连音：第一个音用右手拨出，后面的音用左指拨弦发音。

下行连音是用左指拨出，所以有时也被称为“拉音”或“勾音”。演奏下行连音时要注意：①左指拨弦时要像右手拨弦一样注意音色、注意修剪多余的指甲、清理指尖的硬茧；②在不影响相邻弦的音时，左指拨弦尽量要靠弦；③下行连音除后面的音为空弦音外，拨弦前左指一定要提前按好后面的音；④注意节奏准确。

（3）上下行连音的特殊形式——不同弦连音：

①第一个是空弦或第一音比后面音把位低的下行连音，后面的音要用左手指敲击发音，实际上就是用弹上行连音的技术演奏跨弦的下行连音。演奏这种连音时，要注意第二个音敲出后要及时消掉前一音，尤其是两音为二度音程时。

②后一音为空弦或前一音比后面音把位高的上行连音，这种音事实上无法用连音技术来弹，只能两音都用右手拨弹，但要使后音音头柔和，音量较弱，前一音时值延长一点和后音音头交叠起来，形成一种柔和、圆滑的效果。如两音都为低音应都用拇指连拨以取得一致的音色效果。前一音应在后音出现后消音，尤其是两音为不协和的二度时。

以上两种特殊的连音在乐谱没有特别标出和音乐指法允许时，也可以转换到一根弦上来用通常的连音技术演奏。

3．滑音奏法

滑音是吉他中富有魅力和迷人装饰效果的奏法。滑音一般用斜线连接两个音来表示。滑音通常可分为两种：①连滑音是指第一个音结束后手指滑至第二个音，第二个音不用再弹，而是用滑音的余音延长，这种滑音和连音有相通之处，所以有的乐谱在斜线上同时用孤线来连接两音表示连滑音，如卡尔卡西二十五首练习曲中第九号中的一段。②断滑音是指左指滑到第二个音上时，右手再拨一下弹出第二个音，如维拉·罗博斯《前奏曲第一号》的开头和《小罗曼斯》的开头的低音滑音。

还有一种音常被误解为滑音，实际上是用滑音技术演奏装饰音。装饰音是用以装饰旋律的辅助音，装饰音常常都很短小，在记谱上用小音符或特殊记号表示，常见的装饰音有倚音、波音（连音）、震音、颤音、回音等几种。装饰音一般用连音（圆滑音）技术来演奏，有时滑音和左手分解和弦的演奏技术也能用于演奏一些特定的装饰音。总之装饰音种类繁多弹法多样，而且在不同音乐时代、不同国家，甚至不同作曲家的作品中，装饰音的记法和弹法都不尽相同。

滑音的奏法是：右手拨响第一个音之后，左手指随之滑向第二个音，此时右手不再拨弹第二个音（也有将第二音拨出的）。滑音奏法的标记是“/”。演奏滑音时要注意左手手指要力度均匀，既不能力度太大，又不能力度过小，手指滑动的速度既不能太慢，也不能太快，要符合音乐表现的需求。滑音还有两音滑音及和弦滑音等更复杂的形式，但原理都是相同的。另外在滑音后配合揉弦会使音乐更富表现力。

在实际运用中，滑音（指连滑音）有时还能用于代替连音奏法或两者相互代替，或者两者结合起来演奏复杂的连音或装饰音。

4．泛音奏法

泛音是弦乐器演奏中常用的一种别具特色的奏法。古典吉他的泛音，声音优美奇特，音色晶莹透亮，宛若清澈的钟声或铃声，在古典吉他乐曲中穿插运用具有独特的效果，所以也有人把泛音叫做钟声或钟音奏法。

泛音的原理是：当琴弦振动时不仅全弦在振动发音，同时琴弦的不同比例的每一部分实际都在分别振动发音。全弦振动所发出的音，叫做基音，基音的高度，就是基音的音高。琴弦各部分（1/2、1/3、1/4、1/5…）分别产生的高于基音的音叫做泛音。泛音的多少和强度很大程度决定了音色，但泛音的音乐几乎无法被察觉。泛音奏法就是使泛音单独发出声来并为音乐所用的方法。它有两种奏法：

（1）第一种奏法是：用左手指轻触空弦上的第十二（或七、五等）琴格，当右手拨动琴弦后的一瞬间，左手指迅速抬起，即产生泛音。此种奏法可称为“自然泛音”奏法，乐谱中的标记用Harm（或H）Arm（或ar）。下例为泛音奏法与记谱、音高的对照。

（2）第二种奏法是：先将左手指按在某一个把位上，用右手i指（食指）轻触这个音的高八度位置（即高于左手所按琴格的十二格），此后再用右手p指（拇指）或m指（中指）和a指（无名指）拨弦，右手“i”指随之迅速抬起，即产生泛音。这种泛音可以在吉他指板的每一个指位上奏出，称之为“人工泛音”。乐谱中泛音奏法的标记用ar8dos或8octar。

吉他上的泛音奏法根据演奏方法的不同分为自然泛音和人工泛音两类。

（1）自然泛音：不用左手按弦，在六根空弦上面发出泛音称为自然泛音。因为六根空弦音的基准音固定，所以用以下泛音表示吉他各弦常用的泛音。其中1/2泛音位于十二品，1/3泛音位于七品或十九品，1/4泛音位于第五品，1/5泛音位于四品、九品或十六品，其他的泛音不能很清晰发出，很少使用。

自然泛音的演奏方法是将左手指（小指最常用）伸直，以指肚轻触泛音点（即相应音品正上方），但不向下压弦，在右手拨响这根弦的同时左手迅速离开琴弦。要发出正确的泛音还需注意：①左手指触弦位置一定要准，琴的音品不准时还需轻微调整触弦点以找到最佳位置；②左手触弦一定要轻；③左手离弦和右手拨弦发音一定要果断、同步；④右手拨弦位置要避开同一泛音的另一泛音点位置，否则泛音很难发出。

自然泛音除了用方符头的音符表示外，还有用Harm、H、或Arm的文字标注，或用泛音点品位和弦号标明等多种方法。

（2）人工泛音：自然泛音尽管易于演奏，但是吉他六根弦，六个定弦音上的泛音非常有限，又很难连续，无法演奏更多和更复杂的泛音乐句，而人工泛音大大扩大了吉他的泛音数量，几乎使吉他上的每一乐音都能找到相应的泛音。

人工泛音的发音原理是用左手按下吉他上任何一个非空弦音，然后找到以这个音为基音的1/2泛音点，也就是距这个音第十二品格的位置，即这个音弦长的1/2处，像演奏自然泛音一样，用右手1指轻触泛音点，用右手a指（演奏低音弦时有时也用p指拨弦）在离泛音点尽量远处拨弹琴弦，在a指发音同时i指果断离弦，就发出了比基音高八度的泛音。演奏人工泛音左手按弦同时如能揉弦还能美化音色。人工泛音也常被称为八度泛音，因为人工泛音主要由右手完成，所以也被叫做右手泛音。人工泛音一般用表示八度的8va或Oct来表示。

下谱是著名的《樱花变奏曲》中的一个变奏，整个变奏都用人工泛音来演奏，泛音中还分主旋律和伴奏两部分，请练习。

《樱花》（日本民谣）

演奏指导（见谱）：

（1）“5pos”即左手第五把位标记。采用食指“小横按法”，音高是“631”。

（2）第五把位“631”之外的各音可在下图中找到：

5．轮指奏法

即将右手指按照一定的次序，快速轮番演奏，使声音变为一种连续不断而又均匀的短促音。右手常用的轮指次序是：p、a、m、i；或p、i、m、a。由于右手各指在演奏时，力度往往有明显的差异，因此要做到快速而均匀，必须进行多次的练习。

6．切音奏法

又称为断音演奏法。演奏时，无论是休止或是切音都是利用手指来达到消音的效果。其演奏方法是将需要的音符弹出后，再用右手的食指或中指靠在琴弦上，当音符时值已满时，手指迅速离开琴弦，切音效果便完成。

试练习下谱《友谊地久天长》。

第三节　旋律

旋律是由一系列不同或相同音高的音，以特定的调式关系和节奏节拍关系组织起来的一种音的序列。

旋律是音乐的灵魂和基础，它将音乐的各种基本要素有机地结合在一起，成为一个完整的不可分的统一体。旋律离开了其他各种音乐要素是不可想象的，因为旋律的表现力和感染力正是通过音乐的各种要素的作用和相互作用来实现的。

旋律在每个民族的音乐中都有着重大的意义，它首先表现出由历史形成的民族特征。我国是个多民族的国家，有着悠久的历史，在全国各地的民间音乐中，有着极为丰富多彩的各种各样的优美旋律。

旋律可分为声乐旋律与器乐旋律两种。声乐旋律是为人声演唱的，它与人们的声音语言有着密切的联系。一般地说，声乐的旋律音域比较狭窄，富于歌唱性是它的最大特点。器乐旋律是为器乐演奏的，它与乐器的特点有着紧密的联系，一般地说，器乐旋律音域较宽，速度和力度的变化较大，富于节奏性和技巧性，但歌唱性也是器乐旋律的重要表现手段之一。

在音乐作品中，可以只有一个单旋律，也可以有几个相同的或不同的旋律组合在一起，其中在一部音乐作品或一个乐章行进过程中再现或变奏的主要乐句或音型称为主旋律，也称旋律主题。

一、主旋律在高声部的练习

对于吉他这样擅长表现多声部、多层次音乐的和声乐器来说，首先要做到的音乐要求就是声部层次分明、强弱得当。

区分音乐层次的最常用的方法是用音量大小来表现不同的音乐层次，主旋律音量大一些，伴奏副旋律和低音音量小一些，用强弱来区分声部，其次音色的变化也可以用来区分声部。如用靠弦与不靠弦的音色区别，或用p指指肉弹法与i、m、a指甲—指肉弹法的音色区别来区分声部。一般说来音量与音色的变化并不是截然分开的，两者往往紧密联系。主旋律即使用音色变化来区分声部，音量也需要强一些以突出主要声部。在区分音乐层次上，音量的区分是主要的，音色变化是次要的，而在音乐对比方面，音色变化和音量变化都十分重要。因此主旋律在高声部的演奏也就尤为重要。

以下就以练习卡尔卡西练习曲第三号以加强对主旋律在高声部的练习。练习步骤如下：

（1）在开始认谱阶段，右手p、i、m、a指都用靠弦弹法，把这首练习曲先当做一首没有层次的分解和弦来练习。注意靠弦弹法的正确动作，慢速练习，务必使每个音都饱满清晰。

（2）在以上练习的基础上p指仍然靠弦，i、m、a运用不靠弦弹法继续进行以上分解和弦的练习。注意不靠弦弹法的动作要领，不要做出上钩的拨弦动作，避免声音干涩发飘。

（3）将乐谱上符干向上的主旋律各音用a指靠弦弹出，a指在靠弦时多向下按一按，使上声部突出，音色浑厚饱满。i、m指中声部伴奏音要用不靠弦轻轻弹，把音量控制得尽量弱一些以突出主旋律，p指仍然用靠弦，但要注意音量不要超过上声部以免干扰主旋律。

（4）做到以上各项要求后逐渐加快速度练习，并同时加上强弱、渐强渐弱、对比等各种音色处理。请用节拍机来配合练习以防止节奏不均、速度不稳定等问题，这样可以提高练琴效率。

（5）各项要求都做到后，可以试用a指不靠弦进行进一步练习，a指不靠弦时应在动作、音色、音量上尽量与靠弦保持一致，并使上声部音乐形象鲜明、突出，不要和i、m指伴奏声部混为一谈，并且不论最后速度多快时都要保持主旋律的突出和各声部均衡。

（6）在练习过程中，除注意右手的要求外，还应同时注意左手动作的规范、技术动作的干净、时值的充分和动作的放松。

二、主旋律在低声部的练习

吉他的低音非常浑厚动听，再加上提琴般的揉弦，可以演奏出大提琴般富于歌唱性的旋律，或像男低音般充满感情的吟唱，许多乐曲发挥了吉他这一特点，如常见的维拉—罗伯斯前奏曲第一号“抒情旋律”及他的练习曲第十一号“亚马孙河的传奇”，还有小品《小罗曼斯》等。

主旋律在低声部的练习和主旋律在高声部的练习相同，都要求主旋律突出、音量饱满、音色优美，同时其他声部的和弦或分解和弦伴奏要适当弱一些，使各声部平衡。低声部的主旋律大部分都用p指演奏，除非低音旋律音之下还有低音时才会出现p指连拨，或p指演奏低音，i或m指演奏旋律音的情形。

另外，p指在演奏旋律时除了靠弦不靠弦的变化外，比起i、m、a指还有更多的变化，如普通的指甲—指肉弹法、单用指甲或单用指肉弹法等。在低音声部发展变化、对比、反复时，通过p指拨弦位置的调整，创造性地运用p指三种截然不同的音色，不但能更加深入细致地刻画音乐，而且能更好地发挥古典吉他管弦乐般的表现效果。

三、主调音乐与复调音乐

在学习了主旋律分别在高声部和低声部的乐曲，掌握了突出主要声部的各种方法之后，此处对吉他表现不同音乐织体的技术特点做一个总结：除了单声部的单音音乐外，多声部音乐可分为一个旋律声部为主，其他声部起辅助伴奏作用的主调音乐和各声部多个旋律同时进行发展变化，各声部均具有独立性又相互结合为统一整体的复调音乐。

主调音乐的主旋律最常出现于两个易引人注意的外声部，首先是上声部，其次是下声部，主旋律出现于内声部的情形不很常见，即使偶尔出现也不会持续很久。不论主旋律出现于哪个声部，都要保证主旋律音乐形象突出、鲜明，从技术上来说就是要使用本章与上一章所讲的突出旋律声部的各种方法，使主旋律在音量、音色、揉弦、起伏及音乐表情上都超越于伴奏之上。

复调音乐中突出各个声部旋律的技术方法和主调音乐类似，但唯一区别是复调音乐突出各声部的同时要特别注意各声部的平衡，在同时演奏多个声部时要特别注意保持各个声部线条的流畅，这就需要不仅仅在技术上注意各声部的平衡，如在几个声部同时出现时就不能都用靠弦弹法，而要在不靠弦时控制各声部的音量；在技术上注意各线条的流畅，如在中声部的旋律演奏上尽量使用统一的手指，如全用p指或全用i、m指等以取得音色的统一等。更重要的是要注重对音乐的学习、理解各个时代、不同作曲家的作品风格，不同的复调特点，并多听包括吉他在内的各种乐器的演奏，积累足够的感性和理性的音乐经验，只有在充分理解和掌握特定的作品风格后，才能谈得上运用所掌握的技术正确地表现音乐。

第四节　换把技术及吉他进阶

一、换把技术

换把技术在吉他技术中是极端重要的。吉他的品格有19品之多，而按弦的手指只有4个，如何在把位变动中保持音乐的连贯和流畅，很大程度上取决于换把技术的好坏。在吉他演奏中，左手在指板上的运动可分为2类：一类是手指从①弦到⑥弦之间的横向移动，这种运动的幅度一般不大，最大也不超过①到⑥弦的范围；第二类是手指从低把位到高把位的纵向移动，如在前面按一离弦练习中的单指移动练习就是纵向移动的一种，这种移动由于变动范围很大、种类很多，所以在左手技术中更为重要，换把技术练习就是左手纵向移动的集中训练。

在学习换把技术之前，首先谈谈把位的概念，左手在指板上高低位置的不同叫做把位，常用1指在不同品格上所处位置来表示左手所在的把位。如1指在第1品位置，叫做第一把位，1指在第5品位置时，叫做第5把位……在吉他乐谱中把位常用英文、西班牙文或其他语言的缩写，并在后面加上阿拉伯数字表示，如Pos5、P6、C8、B7等，有时把位也单用罗马数字表示，如：Ⅰ、Ⅱ、Ⅲ、Ⅳ、Ⅵ、Ⅶ、Ⅷ、Ⅸ、Ⅺ，表示第一、二、三…到第十一把位。以上C与B除表示把位外还表示1指要在这个把位横按。

换把练习可分为四种：第一、二种只有移动动作，没有跳动动作，我们称为移动换把；第三、四种不但需要以移动动作做准备，还需要以跳动动作换到新的把位，我们称为跳动换把。

二、吉他进阶的几个难点

吉他初学进阶过程中的几大难点：

1．大横按的熟练掌握

这对初学者来说，是要翻过的第一座山。刚开始接触大横按应该是F和弦，也有可能是Bm和弦。而学F和弦先要掌握小横按。小横按的掌握诀窍就是自己调节左手的位置，练习直到定型为止。因为小横按只能用于简单的分解和弦，扫弦的时候就不适用了，而且大横按还要为以后的高把位和弦服务。所以学吉他必须熟练掌握大横按。大横按的掌握在于：首先，按好六根弦使之能响。其次，转换和弦。右手的分解方式可以多换几种，左手就用最常见的C、G调的和弦来回换，持之以恒，一定能攻克这第一座山。

2．扫弦的熟练掌握

扫弦要扫得好，需要相当长的时间，甚至几年。扫弦一定要均匀，该突出低音的时候要突出低音，该突出高音的时候要突出高音，而不是一味的扫六根弦。扫弦的节奏型是非常多的，多尝试不同的节奏型。手扫和拨片扫都需要掌握。用拨片弹歌的时候要能分解中带扫，扫中带分解（时扫时分），这样效果会好很多。

3．调的概念的掌握

对初学者来说，不建议用音阶练习法来完全理解调，学习了华彩，能背12个调的音阶分布图了以后再去练，但仍可以练前四品的音阶。练习初期，可以从C调和G调的转换来认识调，了解C调和G调六个基本和弦代表的意义，即C调中C和弦代表1，而在G和弦代表4。之后将自己以前练过的一些简单歌曲以C调和G调来回换着弹。然后，在学习中不断更新。久而久之，就能掌握了。

4．揉弦的掌握

揉弦的方法很多，建议掌握多种揉法，而且每个手指都要能揉。

5．找音的能力培养

找音的能力就是指听到一段音乐，马上能在吉他上弹出相应的简谱。这是扒带的关键。所以练琴过程中，可以哼一些曲子，然后在吉他上弹出来。不过前提是能熟练掌握12个调的音阶分布图，以及各种音型的指法。这个能力对乐理及即兴创作都是有很大帮助的。

第五节　吉他调音

有关吉他调音的方法，大致可以有以下几种：

（1）使用音笛或电子校音器，直接对6根琴弦的空弦音进行校准，这种方法理论上是应该没有误差的，但是对于音笛来说，因制造误差较大，会使音准有误差。

（2）对于经验丰富的演奏者，可以直接通过听将6根琴弦调准，不但要保证各弦之间的音程关系正确，同时还要保证音高与标准音高基本相同。

（3）通过音叉、钢琴、口琴等具有固定音高的乐器，将吉他上某一个音先定好，然后根据音程关系对各弦进行校准。

上面第一种方法对于需要特殊调弦的乐曲不适用，需要手动进行调弦。可以说第三种方法是最常用的，且分有实音调弦和泛音调弦两种方法。实音调弦就是直接利用琴弦之间的音程关系进行调弦，因为同一个音可以在不同的琴弦上找到，那么只要通过调整使得这两个音的音高相同，那么就实现了琴弦的校准。下面列出对应关系：

⑥弦5品=⑤弦空弦

⑤弦5品=④弦空弦

④弦5品=③弦空弦

③弦4品=②弦空弦

②弦5品=①弦空弦

泛音调弦主要是利用相邻琴弦上不同把位相同音高的泛音来实现调弦。下面列出对应关系：

⑥弦5品=⑤弦7品

⑤弦5品=④弦7品

④弦5品=③弦7品

②弦5品=①弦7品

⑤弦7品=①弦空弦

⑥弦5品=①弦空弦

由于②弦与③弦之间的大三度关系，因此不能够再用③弦的5品与②弦的7品相校音，而需要通过其他弦的校音来过渡。

对于通常遇到的特殊调弦情况，如果是⑥弦需要调整为D，那么可以使用⑥弦的7品实音与⑤弦的空弦进行校音，或是使用⑥弦的12品泛音与④弦空弦校音。⑤弦调整为G的情况则使用⑤弦的7品实音与④弦的空弦进行校音，或是使用⑤弦的12品泛音与③弦空弦校音。

第六节　扒带

通常情况下，CD唱片或磁带中所听到的音乐都是多种乐器多个声部合奏的，把自己需要的某种乐器演奏或是主旋律从CD或磁带中找（听）出来并另外加以记录，被称为“扒带”。这也是学弹吉他的人常需要做的一件事。扒带过程中需注意以下几点：

1．先确定调性

即找到歌曲的“Do”音落在吉他的哪个位置上。落在C音上是C大调或它关系小调a小调，落在F音上自然是F大调或d小调。

2．确定变调夹的位置

如果原曲不是吉他伴奏的，可以选择自己擅长的任意调。例如原曲是B调的，可以把变调夹夹在第一品弹A调和弦，也可以夹在第三品弹G调和弦，甚至可以夹在第五品弹F调和弦。如果原曲是吉他伴奏的，这就需凭经验首先听出原唱采用的是什么调的和弦，第三品的G调和弦与第五品的F调和弦虽然音高相同，但由于和弦中的音在吉他上的排列不同，实际的听觉效果有很大差别，这一概念在吉他编配中相当重要。像保罗·西蒙、江建民等吉他大师的高明之处就在于此，他们最擅长利用各调和弦的不同音响特征来达到他们自己所期望的效果。

3．开始扒带

①首先要扒的是低音，低音一出来，整个和弦就基本上出来一半了。假如原曲是G调的，而和弦的低音弹的是“Do”，那么这个和弦无疑是G系列和弦，会是G？会是G7？会是Gmaj7？总之可以确定这个范围之内。假如原曲是E调，而和弦低音弹的是“Re”，这个和弦可以确定是#F系列的，不是#Fm就是#F，或是#Fm7……当然，有少数情况例外。如和弦是转位和弦或低音只是经过音，但也还是有规律可循。低音一般都比较容易听出来，因为它进行得比较慢，如果一小节之内有好几个低音，那么一般情况下，落在重拍上的是该和弦的根音。

②有了低音后便可以开始确定和弦。分解和弦较为简单，它们基本上都落在所猜想的和弦之内。假如某C大调歌曲中，确定了某和弦根音是“Fa”，而在分解和弦的高音部分又听到“La”和“Do”，那么这个和弦一定是F和弦，再一听还有个“Mi”音，那赶快修改——这是个Fmaj7和弦。

③如果原曲的吉他伴奏没有分解和弦而全是拨片（匹克Pick）扫弦，扒这种歌曲就需要一定功力了。比如说，大七和弦极不协和，因为“Si”和“Do”这个小二度有激烈的撞击感；九和弦（吉他上大都是挂二和弦）听起来比较空旷，挂四和弦更空一些。有时候要凭感觉和经验，以C调为例，当听到低音弹“Si”时，这个和弦很少会是B系列的和弦，最大可能是G或G7甚至是Em或E弦的转位，如果它的下一个是VIM（Am），那就基本确定无疑了。当然，这些经验需要经过长期的训练才能获得。

4．听音要讲技巧

如果学习者的能力还达不到仅凭拨片Pick一扫就能够确定出和弦名称的水平，那就一个音一个音地听。把先听出的音记下来，然后强迫自己不去听这些音而去听另外一个音，直到把所有的音听出来为止。如果伴奏中还有其他乐器则更好，许多关键音在乐队中都有所体现，不妨在小提琴或弦乐中去找一找。

5．吉他伴奏的节奏型

吉他伴奏的节奏型很多，变化亦复杂，事先必须对一些基本节奏型有所了解。例如：华尔兹、吉特巴、雷吉、伦巴、民谣摇滚、6/8拍慢摇滚等等，歌曲伴奏一般来说万变不离其宗。扒节奏时要一边听磁带一边打拍子，找到重音、切音、闷音、休止、延音这些关键地方的位置，有时节奏型重音落在后半拍或连续切分，这更需要仔细辨别。还有一点很重要，那就是必须会读节奏型。鼓手有“鼓经”，吉他手更需在弹奏之前把节奏型“读熟”。

扒带的学习需分步进行。刚开始可扒一些以民谣吉他为主进行伴奏的歌曲，如：校园民谣《同桌的你》、《青春》，黑豹乐队的《Take care》等。这些歌使用了些变化和弦，但左手较简单，右手指法也不复杂，原曲中其他乐器成分不重，吉他声音清晰可辨。其次再学习扒扫弦较多的歌曲。

扒带是学习的手段而非目的。扒出一支不会的歌，可以自弹自唱了，这是一大收获，同时在扒带的过程中还要汲取别人的伴奏方式和编曲技巧，通过分析体会，融会贯通，全面提高自己的音乐素养，这才是扒带的最终目的。

第七节　吉他前奏、间奏和尾声

1．前奏

（1）前奏即主旋律之前的一段序曲，它负有美化歌曲，并带引出主题的使命。主旋律是作曲者的作品，而前奏却常常是指挥或编曲的事。例如：John Denver、Jim Crose等，他们以吉他为主奏出的前奏是别的乐器难以取代的。

（2）编曲最能显示指挥的功力，有时候一首曲子的前奏反而比主题更有名。

（3）前奏可以是主旋律的一段或完全创作，所以同一首曲子，由不同指挥编出来的前奏绝不会一样，至于哪一个好哪一个不好，全凭欣赏者的喜好而定。

2．间奏

（1）它负责连贯两段主题的旋律。

（2）它出现的时机视编曲而不同。

（3）它可以和前奏相同，也可以由编曲者来创作。

（d）有时候一首曲子的间奏也相当引人入胜。

3．尾奏

（1）尾奏即主题结束之后的一段旋律，可使整个曲子更加完美。

（2）有时候一首曲子的尾奏反而比前奏，间奏更长，更引人注目。

（3）其他特点与前奏、间奏相同。