第一章 钢琴概述

第一节 钢琴的发展简史

一、钢琴的历史

钢琴外文名为“Piano”，全名为“Pianoforte”，意为“弱强”。由于这件乐器既能发出弱音，又能发出强音，才有了这样一个极为形象的名字。后来，也许是为了称呼上的方便，人们将表示强音的“forte”略去，只保留表示弱音的“piano”，并沿用至今。

钢琴的前身是拨弦古钢琴，也称作羽管键琴。它与现代钢琴的内部原理大致相同，都是在琴体内部装有音板和许多拉紧并列的琴弦。不同的是钢琴的弦槌击弦发音，拨弦古钢琴用羽管制的拨子拨弦发音。此外，还有一种与它们同一血统的键盘乐器——击弦古钢琴，它同样是一种装有击弦装置的乐器，用铜制的弦槌击弦发音。它的应用范围不如拨弦古钢琴广泛，主要在当时的贵族家庭中演奏。

17世纪到18世纪，拨弦古钢琴在人们的音乐生活中有着相当显赫的位置，可以说是它的全盛时代。至18世纪初，欧洲大陆音乐迅速发展，音量弱小的拨弦古钢琴已不能满足当时音乐家们的需要，因而逐渐被音量洪大的钢琴所取代。

钢琴的发明者是巴尔托洛奥•克里斯托弗利，他是意大利佛罗伦萨美第奇家族的一位乐器制作师。1709年，他以拨弦古钢琴为原形，制作出一架被称为具有“强弱音变化的古钢琴”他在钢琴上采用了以弦槌击弦发音的机械装置，代替了过去拨弦古钢琴用动物羽管拨动琴弦发音的机械装置。从而使琴声更富有表现力，音响层次更丰富，并能通过手指触键来直接控制声音的变化。在克里斯托弗利的第一架钢琴出现后的一百年里，拨弦古钢琴仍为人们所应用，但更多的是为演奏特定作品而使用。故以弦槌代替拨弦发音就成为当时键盘乐器的主要特色，亦是钢琴的标志与象征。

1709年后，克里斯托弗利又进一步改革了原来击弦机的结构，安装了一种与现代击弦机的复震杠杆系统几乎完全一致的启动杠杆，使击弦速度比原来快了10倍，而且可以快速连续弹奏，音域也增加为4组。这就是现代钢琴的雏形。他的这一发明为以后的钢琴制作师们打开了通往成功之路的大门。遗憾的是，克里斯托弗利的发明在当时并没有得到他的意大利同行们及演奏家们的注意，然而却在异乡得到了继承和发展。

1730年，德国管风琴师、制作师戈特弗里德•西尔伯曼，根据一份绘制极不准确的意大利钢琴草图，借鉴克里斯托弗利的发明，制造出德国第一架钢琴。他把这架琴送到音乐大师巴赫那里鉴定，巴赫却不屑一顾，只是说道：“触键太重，高音音色太弱。”但他提出了一些建议。1747年，西尔伯曼采用了巴赫的建议又加以革新。同年，巴赫在波茨坦进宫晋见腓特烈大帝时弹奏了西尔曼的新型钢琴。西尔曼对钢琴改革的主要贡献在于对钢琴制音器的运用。他利用手动音栓使全部制音器离弦，使钢琴的音响效果更丰富并具有一种神秘的色彩。对于今天的演奏家来说，这种性能是用脚迅速而敏捷地控制的，很难想象当时是用手来操作的。

钢琴虽诞生在意大利，却在德国、奥地利和英国得以发展成长。18世纪中叶，人们对钢琴的制作工艺实行革新，以使其演奏性能日益完善。这一时期，西尔伯曼和他的弟子在钢琴的变革中起着主导作用。

西尔伯曼的名徒被称为“十二弟子”，他们分别制造出两种不同风格的钢琴，即“维也纳式击弦机钢琴”和“英国式击弦机钢琴”。这两种钢琴具有不同的机械性能和不同的音响效果，由此形成两大不同的钢琴制作流派。这两种流派，也对当时的音乐家们产生了具有历史意义的影响。

维也纳式击弦机钢琴的键盘触感较轻，能够弹出快速的音符，音色变化细微，在与管弦乐队协奏时，音色对比清晰。这正符合莫扎特温文尔雅又富有歌唱性的快板的音乐需要。

约翰内斯•楚姆佩是西尔伯曼的名徒之一，他于1760年来到英国，成为著名钢琴制作师；他的产品被称为“英国式击弦机钢琴”。这种钢琴的触键感觉较重，声音浑厚深沉，正适合于克莱门蒂那坚实有力的音乐风格。

莫扎特和克莱门蒂是当时名声大噪的钢琴演奏家，由于他们演奏风格的不同，他们分别使用结构各异的维也纳式和英国式钢琴。1789年1月，莫扎特和克莱门蒂在维也纳奥国国王的王宫里举行了世界上第一次钢琴演奏比赛，成为轰动一时的新闻。这次比赛对提高钢琴在乐器中的地位起了重要的作用。

钢琴在它诞生的头一个世纪中经历了多次改良。虽然开始它被形容为“锅炉工制造出的粗陋机械”，少有优雅之色，在表现细腻的情感上逊于拨弦古钢琴和击弦古钢琴；但随着时代的变迁、音乐由巴洛克风格向古典主义的演变，音响丰富、细腻、洪亮的钢琴逐渐替代了声音尖锐、古板、缺乏生机的拨弦古钢琴。到19世纪，钢琴已登上“乐器之王”的宝座。

二、古钢琴的发展过程

据史料记载，最早的古钢琴叫克拉维卡，创制的年代在12世纪到14世纪之间。古钢琴上可以分为两种类型：一种是拨弦古钢琴，也称为羽管键琴，另一种是击弦古钢琴。在巴洛克时期，古钢琴的地位极其重要，那时的乐队与室内乐中，演奏拨弦古钢琴的人，起着领导演奏的作用。歌剧演奏也需要它伴奏宣叙调，此风一直延续到莫扎特时期。无论是拨弦古钢琴，还是击弦古钢琴，发出的音都比较弱，力度不能变化，缺少表现力。到了18世纪这两种琴逐渐被槌击式钢琴取代。

通常认为，音乐的巴洛克时期是从1600年至1750年，即从蒙特威尔地开始，到巴赫和亨德尔为止。1750年，对位法大师约翰•塞巴斯蒂安•巴赫的与世长辞，标志着巴洛克巅峰的对位法音乐的终结，也标志着巴洛克时代的终结。之所以称这一时期为巴洛克，是由于一时期音乐表达的技术及方式有一定程度的共同点，所以用此名词来标志，并无特殊的意义。巴洛克（Baroque）一词来自法语，追本溯源是葡萄牙语barroco，意谓形态不圆的珍珠。这是巴洛克末期评论家们在评论此一时期的音乐时首先使用的，而且一般含有贬义，指粗陋的、奇异的、夸张的音乐。巴洛克之后，古典主义时期的音乐家们趋于将音乐语言简化和规范化。在他们看来，巴洛克音乐过于夸饰而不够规范。因此巴洛克一词被评论家用来指17世纪及18世纪前期的艺术及音乐作品。

古钢琴只有四组音，音量相当小，更谈不上什么力度和音色的变化，直到莫扎特时期，四组音增加到五组音六十一键。

击弦古钢琴（Clavichord）“克拉维科德”，是16世纪末到17世纪欧洲流行的一种键盘乐器，它由多弦乐器加键而成，依靠置于琴键内端的铜块击弦而发音，琴身不大，形状像一个长匣，多用于家庭。它的音量纤细微弱，音色柔和、优美，触键反应敏捷，强弱的力度变化均由手指来控制。

拨弦古钢琴（Claveein）“克拉维辛”，由置于琴键内端的羽管或皮制拨子拨弦而发音。这种乐器的音量比克拉维科德的音量大，音质较硬而干，琴上装有音栓和两层键盘，由音栓对音色和力度加以调节。早期拨弦古钢琴有好几种形式，有三角拨弦古钢琴（Clavicymbal），翼形的称为翼琴（Harpsichord），从发音来看，音色较强而单调，一般用于音乐会或在管弦乐队中担任伴奏。当时的乐曲大多都是为“克拉维辛”而创作的。18世纪中叶，钢琴的地位逐渐确立以后，上述两种乐器的作用就日益缩小了。

最早创造出钢琴的独立新风格的是英国古钢琴家威廉•拜尔德（William Byrd，1543—1623）和约翰•布尔（John Bull1563—1628）等，他们大量运用英国民间音乐艺术元素，创作了一系列风格活泼、明快有着浓厚生活气息的乐曲。同时他们还成功地创造出一系列织体手法，确立了古钢琴独特的音乐语汇。

三、现代钢琴的发展过程

17世纪是拨弦钢琴的辉煌时期。直至18世纪，整个欧洲的大陆的音乐的迅速崛起，拨弦钢琴的弱小音量已经不能满足当时音乐家们的需要了，因此逐步被声音洪大的钢琴所代替。这就是现代钢琴的前身。

意大利人克利斯托弗利是现代钢琴的缔造者，他是一位羽管键琴制造师，有着丰富的制琴经验。在总结了羽管键琴的优点及缺点后，1709年，他在羽管键琴上安装槌击弦，制造出大音量钢琴，奠定了现代钢琴的基础。

他在钢琴上采用了以弦槌击弦发音的机械装置，代替了过去拨弦古钢琴用动物羽管拨动琴弦发音的机械装置，从而使琴声更富有表现力，音响层次更丰富，并能通过手指触键来直接控制声音的变化。在克里斯托弗利的第一架钢琴出现后的一百年里，拨弦古钢琴仍为人们所应用，但更多的是为演奏特定作品而用。故以弦槌代替拨弦发音就成为当时键盘乐器的主要特色，亦是钢琴的标志与象征。

钢琴产生后，迅速成为西方音乐的象征，不说是古典协奏曲，就是爵士、摇摆乐，钢琴都是核心。刚开始，弹奏钢琴一直是王公贵族的特权，弗郎兹•李斯特，这位匈牙利天才钢琴家出神入化的演奏，让贵族少女倾心不已。但穆齐奥•克莱门蒂，这位被莫扎特称为“一台纯粹的机器”的乐手，是让钢琴走向大众化的关键人物。他的《克莱门蒂钢琴演奏艺术指南》，起到推广作用。由于斯坦维和奇克林等公司实现批量生产，价格也迅速下降。很快，钢琴成为中产阶级客厅的必备，客厅成为了家庭娱乐、年轻女子招待追求者的地方。威廉•玛丽学院的马克•塔克说过：“爵士乐的许多重要作曲家都是钢琴家，我认为这并非偶然，融合旋律、和弦和音调，再进行编排、配器，这种能力确实来自钢琴演奏。”他的话能很好地概括钢琴这种乐器的重要性。

为什么钢琴拥有这个特殊地位呢？这就是钢琴本身的魅力所在。无论是表现色彩丰富的和声，还是线条纷繁的复调；无论是表现风卷残云般的音流，还是表现委婉如歌如泣的旋律；无论是气势恢宏的巨著，还是温馨抒情的小品，作为乐器之王的钢琴都能表现得尽善尽美。它除了担任独奏外，还可以与其他乐器合奏、重奏，为器乐、声乐、舞蹈伴奏。由此可见，钢琴在音乐领域里起到了举足轻重的作用不愧为“乐器之王”。

第二节 中国钢琴的发展简史

一、中国钢琴的起源

中国拥有第一架钢琴是在公元1600年。一位来自意大利的传教士来到北京晋见明朝皇帝神宗朱翊钧时，贡献的礼物当中有件乐器，在史料记载中有这样一句话：

“……大西洋利玛窦献其国乐器……纵三尺、横五尺、藏椟中。弦七十二，以金银或链铁为之。弦各有柱，端通于外，鼓其端而自应之。”这件七十二弦的乐器，也曾被称为“七十二弦琵琶”，实为欧洲的击弦古钢琴，这是可查的古钢琴传入中国的确切记载。

范文澜先生在他撰写的《中国近代史》中提到：“一个极著名的商行向华输出了大批钢琴。”

1840年以后，在西欧的音乐史上，正是浪漫主义音乐发展的鼎盛时期，19世纪30至40年代被称作是西欧钢琴音乐的黄金时代，但是在中国却经历着民族的耻辱。鸦片战争后，腐败的清政府投降于帝国主义列强，除土地割让侵略者外，东南沿海、天津及长江中下游的许多口岸变成帝国主义进入中国的港口，由此帝国主义国家的传教士和大批外国商人涌入半殖民地半封建社会的中国。钢琴，也从两条途径进入中国，一是外国租界内洋人家庭和教堂，带来了现代钢琴。另一途径是外国商人想通过贩卖钢琴在中国赚一笔大钱，据传有位英国商人不远万里运钢琴到中国，谁知无人问津，积压成废品。

二、中国的早期钢琴教育与演奏

鸦片战争以后，许多帝国主义国家为了从文化、思想上来麻痹中国人民的爱国民族精神，从各自国家带来了众多的传教士，在上海、广州、天津、宁波等地开设了教堂，使得大量中国人民纷纷走进教堂，用钢琴伴唱圣诗。同时，教会学校内专门开设了钢琴课，使一些中国学生有了学弹钢琴的机会。在学校最早担任钢琴的教师是都是外国的传教士。他们的教学简单、随意，有的甚至自己想怎样教就怎样教，自己怎么弹就怎么教，根本不懂得真正弹琴的方法。他们还将从自己国家带来的简易的乐曲的曲本带到中国来，这些钢琴的基础教学教材仍留用至今。

随着外国商人与传教士大量涌入中国，外国的文化艺术人士对东方古老的中华民族产生了好奇心。1904年，在上海德侨俱乐部举行了意大利钢琴家梅•帕契的独奏音乐会。梅•帕契是著名钢琴大师李斯特的再传弟子，他的老师甘巴蒂（1841—1914）是李斯特的学生。在19世纪上半叶，俄罗斯对钢琴还无认识时，是李斯特的精湛演技轰动了俄罗斯，不少人因此走上了职业钢琴家的道路，为俄罗斯学派奠定了基础。而在20世纪初，李斯特的再传弟子梅•帕契在中国进行的第一次钢琴独奏音乐会，也是具有深远意义的。梅•帕契1918年再次来中国后定居上海，一面组织管弦乐团，一面教授钢琴直到终老，跟他学过钢琴的中国老一辈钢琴家有俞便民、张隽伟、宋士一、周广仁、巫漪雨、傅聪等。

1919年“五四”运动后，北京、上海相继建立了若干音乐社团，其中不少都有钢琴教学活动。在这些社团的基础上，又发展成为高等专业音乐教育机构，如“北大音乐传习所”、“北京女子高等师范音乐科”、“北京艺专音乐科”等，这里的钢琴教育更为系统些。

1927年，我国第一所独立的高等音乐教育机构“上海国立音乐院”建立，我国的钢琴教学从此走上了更为专业化的道路，也提到了更高的水平。我国第一代自己的钢琴教授大都是从这里培养出来的。

1927年“上海国立音乐院”刚成立时，钢琴稍大规模地传入中国才不过二三十年。1929年，俄罗斯著名的圣彼得堡音乐学院钢琴教授鲍利斯•查哈夫游历上海。当萧友梅邀请他到上海国立音乐院任教时，开始他不同意，他表示，在这里“有什么可教的呢？”经萧友梅再三挽留，才同意试试看。这一试，他立即被“非常富于音乐性”的中国学生所吸引，不仅留下来正式任教，而且一生为中国的钢琴教学鞠躬尽瘁。

在国际比赛获奖的情况，也可以从一个角度说明中国人的钢琴才能。

第一位在国际比赛中得奖的中国钢琴家是周广仁，1951年获柏林第三届“世界青年联欢节”钢琴比赛三等奖。

第一位在重大国际钢琴比赛中获奖的是傅聪，1955年，他荣获第五届肖邦国际钢琴比赛第三名及《玛祖卡》优秀演奏奖。

特别值得一提的是傅聪的优秀演奏奖，以及后来刘诗昆获得李斯特国际钢琴比赛的《匈牙利狂想曲》特别奖（1956）。肖邦的《玛祖卡》与李斯特的《匈牙利狂想曲》被公认为是最富波兰与匈牙利民族特性的钢琴曲，以至于被以为只有他们本民族的钢琴家才能演奏得地道纯正。不料是由两位非本民族的中国青年夺取了桂冠。

自那以后，除去“文化大革命”时期不去参赛以外，中国钢琴家获得国际比赛奖，再也不是新鲜事了。据粗略统计，自1951年起，中国钢琴家获得各种比赛奖项不胜枚举……其中，五六十年代获奖的，除上面提到的三位以外，还有顾圣婴、殷承宗、李名强、洪腾、鲍惠荞、李其芳等。“文化大革命”后则有李坚、孔祥东、许斐平、韦丹文、杜宁武等。近年来则有中国钢琴家朗朗等人领一时之风骚。

自50年代以来，中国钢琴教授丁善德、周广仁、朱工一、吴乐懿、李其芳、鲍惠荞等，还经常应邀担任国际比赛的评委。

三、中国早期的钢琴音乐

1．二十年代

20世纪最初的二十年里，中国钢琴曲的创作以赵元任为代表。他是我国著名的语言学家和作曲家，1913年他在美国读书时，曾改编一首钢琴曲《花八板与湘江浪》，旋律是中国古老的传统曲调。1915年，赵元任写了一首《和平进行曲》，这是他正式发表的第一首中国钢琴曲。1917年赵元任还发表一首《偶成》，手法类似《花八板与湘江浪》，中国式曲调，加上装饰音，再配合一点和声因素。除赵元任外，也还有其他人写了一些中国最早的钢琴曲。整个一二十年代，是中国钢琴曲刚刚开始探索、实验的时代，虽然不成熟、不理想，但不能不钦佩那一代中国钢琴曲作曲家的勇气和贡献。

2．三十年代

20世纪三十年代，对于中国钢琴曲创作来说，一件大事是“征求中国风味钢琴曲”的创作比赛。1934年，游历中国的美籍俄罗斯作曲家、钢琴家齐尔品，发起、出资，上海音专（即“国立音乐学院”）协助，组织了这次比赛。获得这次比赛第一名的作品，就是著名中国作曲家。当年还是上海音专学生的贺绿汀所作的《牧童短笛》。

《牧童短笛》是第一首具有鲜明特色的、中国风格的钢琴曲，一经问世，就受到中国听众甚至其他国家听众的欢迎。《牧童短笛》的成功，不仅对中国钢琴曲，而且对整个现代中国音乐的新创作都有重要启示。它用美妙的钢琴声证明了：无论是西方乐器还是西方作曲技巧，都是可以表现中国气质的。《牧童短笛》不仅音调是纯正的中国味，而且它那乐观、明朗、质朴的意境，完全符合中国式的诗意和意境。它的美，本质上源自中国文化艺术中传神、写意、精炼的传统。此后，贺绿汀还写了《晚会》、《怀念》、《小曲》等钢琴曲。这些钢琴曲都有鲜明的中国风格和精致的笔法。其中《晚会》是较经常被演奏的曲目之一。

同时代旅居日本的江文也写了大量钢琴曲，他的特殊经历，使他的作品有两个与国内作曲家不同的特点：一是他更多地借鉴了欧洲现代风格的技巧；另一个是某些作品的风格更类似于日本风格。他在1936年写的《十六首小品》中的《午夜的琵琶》、《午后的二胡》、《北京正阳门》、《卖糖小贩的金芦笛》，都有鲜明的中国风情。而他回到祖国后于1938年写的《北京素描》，见表现出他对祖国深沉的眷恋。

纵观整个三十年代，以贺绿汀为代表的中国作曲家，通过从无到有的创作，确立了中国钢琴曲这一结合中西两大音乐文化元素的音乐道路，对后世中国音乐的发展产生了深远影响。

3．四十年代

20世纪四十年代，中国钢琴曲继续发展，其中以丁善德为代表。丁善德是我国著名作曲家、钢琴家。他自幼熟悉民间音乐，1935年从上海国立音乐学院毕业之后，于同年为贺绿汀的《牧童短笛》、《摇篮曲》录制了第一张唱片，其后在天津、北京、上海从事教学、演奏活动。他在1945年写出了他的第一部钢琴组曲《春之旅》，由《待曙》、《舟中》、《杨柳岸》和《晚风之舞》四首乐曲组成。《春之旅》作为丁善德的第一部钢琴组曲，已经表现出他音乐形象鲜明、富有动力感、善于和声的创造特点，使他的钢琴曲一开始就立足于一个很高的起点。

丁善德于1947年赴法进入巴黎音乐学院学习，在巴黎写了两部钢琴曲：《序曲三首》（1948年）和《中国民歌主题变奏曲》（1948年）。这是两部更成熟、更现代的具有鲜明中国风格的钢琴曲，特别是《中国民歌主题变奏曲》，是后来大量的民歌主题变奏曲的第一部。

四十年代的江文也写了几部值得注意的钢琴曲：《小奏鸣曲》（1940年）、《钢琴叙事诗“浔阳月夜”》（1943年）和《第四钢琴奏鸣曲“狂欢日”》（1949年）。其中《钢琴叙事诗“夕阳月夜”》是传统古典琵琶名曲《浔阳月夜》（又名《外阳箫鼓》）的钢琴改编曲。

4．五十年代

中国钢琴曲的初步繁荣是在20世纪五十年代及六十年代初，这一时期，中国钢琴曲的质量、数量都得以较大程度的发展，从事钢琴曲创作的作曲家也大为增多。利用中国民歌为主题写钢琴变奏曲，是五十年代许多作曲家都喜欢尝试的形式，甚至成为一种潮流。丁善德写于1950年的《第一新疆舞曲》，是后来许多作曲家大量“新疆风”作品中的第一首。乐曲中浓艳的新疆色彩展示了一幅西北边陲的生活图画，他创作于1953年的《儿童组曲“快乐的节日”》，是整个中国钢琴曲中最杰出的佳作之一，即使与世界众多优秀的儿童题材的钢琴曲作比较，这部组曲也毫不逊色。

五十年代，许多具有代表性的作品大量问世，如陈培勋所作的四首以广东民间音乐为主题的钢琴曲：《卖杂货》、《思春》、《旱天雷》和《“双飞蝴蝶”主题变奏曲》，组曲富有鲜明的广东地方特色；桑桐在1952年以内蒙地区民歌为主题，写了《内蒙古民歌主题小曲七首》，将内蒙古的民俗风格鲜明地表达出来，并于1957年世界青年联欢节的作曲比赛中获铜质奖。中国是一个民族众多的国度，古往今来创造了极为丰富的传统民间音乐，这为发展、创造中国钢琴音乐提供了取之不尽的源泉。五十年代及六十年代初，中国作曲家利用这个源泉，就实现了中国钢琴的初步繁荣。除了上面提到的乐曲外，这一时期还有《快乐的马车夫》（肖培衍）、《序曲》（朱工一）、《序曲第二号“流水”》（朱践耳）、《火把节之夜》（廖胜京）、《随想曲》（桑桐）、《第二小奏鸣曲》（罗忠容）、《红头绳》（江静）、《新疆幻想曲》（邓尔博）、《变奏曲》（徐振民）、《花灯舞》（章纯）、《喜丰年》（尚德义）、《巴蜀之画》（黄虎威）、《新疆舞曲》（郭志鸿）、《喀什噶尔舞曲》（石夫）、《采茶扑蝶》（刘福安）、《谷粒飞舞》（孙以强）、《解放区的天》（储望华）、《洪湖赤卫队幻想曲》（瞿维）和《快乐的啰唆》（殷承宗）等等。

5．六十年代

六十年代末及七十年代被称为“改编曲时期”。钢琴改编曲，是指将既有的歌曲或器乐曲，在保持原曲相对完整性的情形下，改编为钢琴曲。早在1913年，赵元任最初的尝试就是改编曲。后来，这种方式一直存在着，只是到了七十年代，改编曲达到了成熟的阶段。丰满而又能与中国旋律融合为一体的多声化手法，使钢琴技巧较充分地发挥。

6．八十年代

20世纪80年代，“文化大革命”结束，改编曲一统天下的局面也渐趋完结。随着改革开放的到来，西方的最新风格和技巧都被介绍进来。中国作曲家的钢琴创作技巧也有了更大的提高，中国钢琴曲创作进入了一个新时期，呈现状多样化的特点：题材体裁多样化、形式风格多样化、审美趣味多样化等等。

这一时期，汪立三的几部钢琴曲以鲜明的特色而引人注目，他于1979年所写，1982年正式发表的《东山魁夷画意》组曲，选取了四幅画而谱成的四乐章组曲：《冬花》、《森林的秋装》、《湖》和《涛声》。这在中国钢琴曲之中具有重要意义。关于这部作品，画家本人曾致函作曲家称：“你对我的作品理解之深，令我十分钦佩。”

《他山集》是汪立三的创作于20世纪80年代一部钢琴曲集。曲集包括五首作品：《＃f商调“书法与琴韵”》、《a羽调“图案”》、《ba徵调“泥土的歌”》、《g角调“民间玩具”》和《f宫调“山寨”》，这实际上是中国五单调式的“前奏曲与赋格”。作曲家用巴洛克音乐的基本格式，巧妙地表现中国的意境与内容。五首作品既是典范的赋格，又有生动的形象，作曲家说，他在“书法与琴韵”里，看见的是“上下求索”的灵魂，升华的灵魂。

时至今日，中国的钢琴音乐早已得到较大的发展，在世界钢琴音乐中，中国也以其独特的风格占据了一席之地。我们期待着有朝一日，中国能创作出大量的具有世界水平的钢琴曲。

四、中国早期的音乐学院

“五四”运动进一步掀起了外国钢琴家在中国教学和演奏的新热潮，同时极大地促进了中国现代音乐的形成与发展。1919年中国先后成立了“北京大学音乐研究会”、“中华美育会”、“大同乐会”等，这些民间音乐团体举行了多种交流活动，推动了音乐在中国的兴起。

五、中国的早期钢琴教育

自从1927年，萧友梅创建了第一所国立音乐学院后，中国的音乐教育有了较大的发展，在不到十年的时间里，上海、杭州、武昌、北京等地都兴办了音乐师范或音乐教育机构，培养了不少钢琴演奏和作曲人才，他们都成为中国音乐教育和发展中国钢琴音乐的中坚力量。比如我国著名钢琴家、作曲家、教育家老志诚先生1925年进入北京师范学校艺术科，学习刻苦努力，晚上睡着了手指还在被子上弹，把被子都弹破了。但他的钢琴演奏水平提高极快，能演奏韦柏的《华丽回旋曲》和李斯特高级音乐会练习曲（钟），同时还致力于钢琴曲的创作。

六、走向世界的《牧童短笛》

直到今天，贺绿汀的《牧童短笛》仍然是中国最好最有影响力的钢琴曲。《牧童短笛》以后，成千上万首钢琴曲被音乐家们创作出来，其中不乏优秀作品。所以，以音乐史学的角度看，比较客观的说法应当是：《牧童短笛》是第一首完全成熟的中国钢琴曲，至今仍是最优秀的中国钢琴曲之一。

中国音乐家借鉴外来的艺术来创作出中国钢琴曲，必然要有一个从模仿、研究、实验，到创新走向成熟的一个过程。这个过程始于赵元任1913年写的风琴曲《花八板与湘江浪》和1915年写的钢琴曲《和平进行曲》，到贺绿汀1934年写出《牧童短笛》，走过了近20年。

《牧童短笛》作为完全成熟的第一首中国钢琴曲表现为：

（1）与中国音乐传统血肉相连，她是在中国音乐传统之树上开出的钢琴音乐之花。

（2）使用了欧洲音乐理论的某些原则，如复调、和声、曲式等，却完全消除了欧洲音乐的审美影响。也就是说，表现出了完全中国化的音乐美。

（3）乐曲的形式完美无瑕，真是不可增减一音，不可更换一音。

（4）真正钢琴化的作品，钢琴技术的应用完全符合钢琴的特性，是纯粹钢琴的，又是中国的音乐语言。

《牧童短笛》首次将以上四点结合在一起，用令人信服的实践确立了中国钢琴曲这一新的中国音乐形式，对于解决中西音乐关系问题，对于整个中国新音乐创作，都产生了深远的影响。并且也为世界钢琴音乐增添了一个新的品种。

这首乐曲，是当年俄国钢琴家、作曲家齐尔品在中国“征求有中国风味钢琴曲”的创作比赛中获得头奖的作品。今天学钢琴的孩子可能想象不出，这首无比美丽的中国钢琴曲，是作曲家在极其恶劣的条件下写出的。贺绿汀老人曾回忆说：“当时，我住在上海襄阳南路84号一家裁缝店的小楼上，矮小且不通风，夏天热得没法进屋，只好一大早趁着太阳没出来，从晒台爬到瓦面上写作……”

七、钢琴艺术教育在新中国的发展

1．全国盛行音乐教育

从新中国成立至1964年长达16年的时间里，国家先后在天津、上海建立中国国立音乐学院，以便把中国音乐艺术推向一个新的台阶。

1953年，在天津组建了中央音乐学院，在上海组建了中央音乐学院华东分院（后改名上海音乐学院）。在大好的教育形势下，中国的钢琴事业有了蓬勃发展的条件。在上海音乐学院，贺绿汀院长招才纳贤，集中了我国第一代钢琴家和教师，其中有不少是从国外深造后。学成回国的优秀人才。在众多的优秀人才中，上海又形成权威教授的阵营，他们是李翠贞（留英）、范继森（国立上海音专）、李嘉禄（留美）、夏国琼（留美）和吴乐懿（留法）。由李翠贞任钢琴系系主任，范继森任副主任。在这些教授严格治学原则下，上海的钢琴舞台出现了一大批钢琴人才，他们是周广仁、傅聪、顾圣婴、李名强、殷承宗、李名铎、洪腾、李瑞星、李其芳、王羽、朱雅蓉、孙以强、尤大淳、林恩培、赵晓生等。由此，上海被誉为培养中国钢琴家的摇篮。

与此同时，国内其他城市纷纷创办了一些音乐专科类的学校和艺术学院，有的专科学校甚至在以后发展成为中国著名的音乐学院，这些学院都有钢琴专业。国家很重视地方音乐教育的发展，每当外国专家到中国讲学，都组织地方院校的钢琴老师代表观摩学习，使各地的钢琴教育都得到一定的提高，同时对全国几个师范院校的音乐系的钢琴专业进行了管理和调整。中国各大城市的音乐教育在政府的扶持下，如雨后春笋般发展起来。

2．20世纪70年代的钢琴音乐发展状况

国内钢琴音乐事业如火如荼之际，国内政治运动的“左”倾路线扼杀了钢琴发展的前途。中国在1964年提出了音乐要民族化、大众化、群众化。这个时期正值中国音乐家探索钢琴这个从西欧引进的乐器如何为中国所用，以更好地表现中国人民大众火热生活，激励人们奋发向上的重要历史时期，极“左”的路线却认为，钢琴是“大、洋、古”与民族化背道而驰，而要求各地方音乐艺术院校的钢琴专业下马，致使学生转学，钢琴老师无事可做。到了1966年，“文化大革命”开始后，钢琴更作为“封（封建）资（资本主义）修（苏联修正主义）”的产物被拍卖。许多中国著名的钢琴家、教育家、作曲家因莫须有的罪名遭批斗与殴打，关进牛棚，有的专家不甘忍受屈辱含冤而死，如著名钢琴家李翠贞和顾圣婴就是在高压下自杀而死，这给中国钢琴界带来了极大损失。

3．改革开放后中国钢琴音乐的发展

（1）如火如荼的钢琴教育

自从国内实行改革开放以来，对世界各国的经济与文化交流有了逐渐的提高。世界各国优秀的钢琴演奏家及优秀的钢琴讲师纷纷来我国演出、讲学，使得国内钢琴教育上了一个新的台阶，同时国家还经常派出较优秀的音乐专家去高水平的国家访问和学习，为中国的钢琴教育打下了一个坚实的基础。

此时，国家大力恢复音乐教育，各个地方兴办音乐学院。中央音乐院与上海音乐学院率先恢复，招收优秀的音乐学习人员。在中国第一代、第二代钢琴教育家形成的骨干教学力量的努力下，至今这两所院校已形成附小、附中、大学、研究生体系的教育形式，培养了大批出色的钢琴演奏家和教育家。在国际比赛舞台上，中国的青年钢琴家频频站在了领奖台上。目前，这两所院校的教学质量享誉海内外，跨入了世界著名音乐学院的行列。除了这两所音乐学院外，在西安、天津、沈阳、武汉、广州等地的音乐学院，在江苏、吉林、山东、广西、云南、黑龙江等地的艺术学院音乐系中，纷纷设置钢琴专业。国家还先后在全国恢复、兴办了师范院校音乐系，如北京师大、华东师大、华中师大、华南师大、西南师大等多所大学音乐系钢琴专业。有条件的还招收了钢琴研究生，发展成硕士点。各中小城市的音乐教育在原中师基础上发展为大专音乐班，钢琴教学是重要的基础课之一。目前在全国已形成了空前规模的钢琴专业教学网络。

中国改革开放以后随着经济的迅速发展，人们对物质要求便增多，多数人在自己的子女智力上大力投资。学习钢琴的儿童从20世纪80年代的几万人发展到现在的几百万人，增长速度让人惊讶。这是提高民族文化素质的大好事，但来势太迅猛，教师队伍的奇缺，使一些滥竽充数、向“钱”看的教书先生钻了求师心切又不懂选择老师的家长的空子，阻碍了部分琴童走正确钢琴教育之路。因此，近几年来中央和地方音乐机构实行考级制，聘请钢琴界专家、教授作评委，指导业余钢琴教育，将业余钢琴教育引向真正素质教育的轨道，有条件的地方还兴办了业余钢琴教师培训班，中国钢琴教育事业前景可观。

（2）钢琴音乐创作走向正规化

在钢琴发展的大好形势下，国内钢琴音乐的创作也走向了正规化，一些具有创新钢琴作品的创作人相继出现。在这个时期优秀的钢琴作品有：刘庄的《三六》，谢耿的《霓裳雨衣曲》，朱嵩的《双鹤听泉》，黎英海的《阳关三叠》，王建中的《彩云追月》，《樱花》，朱践尔的《云南民歌五首》，蒋祖馨的《山花烂漫》，沈传薪的《云南民歌五首》、汪立三的《叙事曲》、《东山魁夷画意》，《兄妹开荒》，崔世光的《夫妻识字》，《云南民歌五首》，陈钢的钢琴协奏曲《梁祝》，黄虎威的《欢乐的牧童》，《他山集》，孙以强的《春舞》，权吉浩的《长短的组合》，杜鸣心的钢琴协奏曲《春之采》，等等。

采用无调性或十二音体系等现代手法创作的有汪立三的《天问》，陈铭志的《钢琴复调小品八首》、《三首序曲与赋格》，陈怡的《多耶》，王建中的《诙谐曲》等。

我国著名钢琴家、作曲家赵晓生以自己创造的“太极作曲系统”为根据，在周易六十四卦逻辑系统基础上，结构新的组织关系而写成了钢琴独奏曲《太极》。武汉音乐学院作曲系主任彭志敏教授根据自己提出的数论结构，运用“菲波拉契数列”组织乐曲的结构而写出了钢琴曲《风景系列》，等等。改革开放以来的钢琴教育和钢琴音乐创作，都表明中国的钢琴音乐正走向新的历程。

第三节 钢琴的构造

钢琴是一种名贵的乐器，结构复杂，主要包括琴壳、共鸣板、键子、弦线、击弦槌、弦线钉等。

一、踏板

是指钢琴下面用足踩的踏瓣而言。它是钢琴中除键盘外最重要的配件。1711年意大利乐器制造家克理斯多佛利（Bartolommeo Cristofori）在改造钢琴时发明的。主要分为三个部分：

1．制音踏板（Damper Pedal）

是英国人布劳马（John Broadwood）于1783年发明，通常是钢琴下右内侧的踏板。当制音踏板被压下时，平时压在弦上的制音器（Damper）立即扬起，使所有的琴弦延续震动，将踏板放开后，所有的制音器又全部压在琴弦上制止发音。由于压下制音踏板会使琴声在一定程度上扩大，故又称强音踏板（Loud Pedal）。

2．柔音踏板（Soft Pedal）

是一个位于钢琴底部左侧的踏板。它有两种不同的作用：在平台式的钢琴里，踩下柔音踏板时，琴槌会立刻向旁推移，使它只敲三弦中之二弦或二弦中之一弦（如果每一音有三根弦，就只敲到二根弦；如每一音只有一根弦，移动的结果使琴槌较软的部分敲到弦），使音量减小，并使声音变得非常清纯、柔和。在直立式的钢琴中，踩下柔音踏板时，所有的琴槌移近琴弦，借以减轻冲力，减少打击的长度与强度，使音量变小。

3．持音踏板（Sostenuto Pedal）

现代钢琴除了制音踏板及柔音踏板以外，位于中间的一根具有特殊性能的踏板叫做持音踏板。它有着令声音或弦的振动持续下去的作用。但由于持音踏板使用机会少，所以现在的持音踏板的构造和作用都有所改变。大部分现代钢琴的持音踏板被踩下时，一块活动的绒布会夹在琴槌和琴弦之间，使音量变得极细和模糊。

二、调音钉

是一些能够发出热能的特别装置。它的旋床有切口纤维，因而琴弦能牢固地绕在调音钉上，能把音质保持下来。

三、琴槌

琴槌外包着高品质的毛毡或绒布，由于多是羊毛造的，因而又称羊毛槌。它本身连着琴键，当琴键被按下时，琴槌便会打在琴弦上并借着琴弦的振动使钢琴发出声音。因此，它的作用是用来敲击被调音钉紧扣着的琴弦。

四、制音器

制音器是与弦紧贴着、用来阻止弦的震动的装置。例如当钢琴上的琴键被按下时，钢琴内部的琴槌会打在一条用铜制造的琴弦上，借着琴弦的振动发出声音，制音器的作用就是在琴键按下后，阻止琴弦继续振动和发出声音，使弹在琴键上的每一个高低音都能清楚地听到。

五、琴胆

琴胆连接着琴键和琴槌，是整部钢琴的灵魂和最重要的配件。

六、响板

响板是钢琴内部后面的一块大金属钢板，它连着调音钉，紧贴着琴弦，当琴弦振动而发出声音时，响板会使声音产生双重共鸣，即将声音经过响板反射以及扩大出来。

七、琴键

整个琴键都是由黑键和白键组合而成，用均质木块切割使琴键的外观十分整齐，所有的键大小均匀，并且高度相仿，不会令琴键的外观感到起伏不平，黑键和白键都是经过严格的重量以及平衡检测，使弹琴的动作达到平滑的效果。